En la industria musical existen tres formatos existentes; el primero es un L.P. (Long Play) ,es decir, un álbum que suele ser de larga duración, luego un E.P. (Extended Play), el cual suele ser más corto que un álbum y con menos tracks y menos duración que un lp y por último está el Single, que es un disco con una sola canción, mayormente sacadas de un album; algunos Singles contienen más de una versión de la misma canción (estas pueden ser diferentes sesiones de estudio o remezclas de otros artistas). Los eps tienen la cualidad de ser artefactos de coleccionistas, los cuales estos atesoran. Aunque también tienen la cualidad de pasar desapercibidos, por lo menos menos que los albumes, pero esa cualidad no los hace menos valiosos que los Lps. En la siguiente lista están, en mi opinión, los mejores eps que yo he escuchado de música electrónica.
1. Aphex Twin: Come to Daddy, Warp, 1997
Este ep revolucionó el mundo de los videos musicales porque el video del primer track, el cual lleva el nombre del ep (Come to Daddy) es considerado, hasta el día de hoy, al menos en mi conocimiento, el video musical más aterrador que se ha grabado que fue dirigido por Chris Cunningham. El primer track de este ep. fue producto de una carta de una fan que Aphex Twin recibió dónde ella le dijo que quería su alma (I want your soul). Ese el jingle de la canción o la estrofa, probablemente, más aterradora que yo he escuchado y que se ha hecho en el mundo de la música electrónica. Muchos dicen que Come to Daddy (Pappy Mix) - Pappy porque para Richard D. James es agresiva, agresivo cómo un hombre, en tanto cómo su padre - fue la respuesta al track Breathe de The Prodigy que salió el mismo año. Aunque yo, personalmente, me inclino por la primera versión, la de la carta.
Este es un disco sorprendente en dónde la tecnología digital y el uso de DSP (Digital Signal Processing o Procesamiento de Señales Digitales) llegan a la cima de la experimentación. El segundo track, Flim, es uno de lo más bellos que ha producido Aphex Twin.
2. Autechre: EP7, Warp, 1999
Este ep de Autechre podría entrar en la categoría de album porque contiene 11 pistas en total, aunque cómo ellos le pusieron el nombre de Ep7 se le considera cómo uno. Es el mejor extendend play que ha producido Autechre en el cual se encuentra el track más bello que han compuesto que es el último del disco, el cual se llama Pir. Aquí, ya el duo dominando ambas plataformas, la analógica y la digital logran experimentar con ambas utilizando el lenguaje MIDI (Musical Instrument Digital Interface o Interface Digital de Instrumentos Musicales) para programar sintetizadores, samplers y secuenciadores externos gracias al programa Max/MSP creado por Miller Puckette que viene siendo el estandarte del sónido del estilo de música electrónica que Autechre representa, el mal llamado IDM (Intelligent Dance Music) o, mejor dicho, electrónica. En este gran disco la programación modular, gracias al programa y los algoritmos que Autechre creó para componer, editar y secuenciar la música logran darle un toque futurista.
3. U-Ziq: Brace Yourself, Astralwerks, 1998
Este es un disco hermoso y emotivo. El mejor ep que ha producido Mike Paradinas. Acá se pueden escuchar hermosas melodías. Este disco es el acompañamiento del album de 1997 llamado "Lunatic Harness", el cual, muchos dicen que es el mejor de la carrera de Paradinas. Tom Jenkinson o Squarepusher es una influencia clara en este ep, dónde los beats de drill and bass y los timestretchs (técnica de sampleo) se mezclan armónicamente con las melodías únicas producidas por los sintetizadores de U-Ziq.
4. Brothomstates: Qtio, Warp, 2001
El finlandés Lassi Nikko o Brothomstates produjo dos discos para el sello británico Warp Records el año 2001, estos son "Claro", un album y "Qtio" un ep. En este gran ep se puede escuchar y disfrutar del sonido de Brothomstates, el cual representa el arte y la técnica de la electrónica en su esplendor. Un disco técnico, desafiante y bello.
5. Boards of Canada: In a Beautiful Place Out in the Country, Warp, Music70, 2000
En este hermoso ep está mi track preferido de Boards of Canada, "Zoetrope", y mi amor por In a Beautiful Place Out in the Country- el track que lleva el nombre del disco- no es lo menos. Bello y hermoso ep que contiene 4 pistas y representa el arte y la belleza de la música electrónica.
6. Squarepusher: Big Loada, Warp, 1997
Tom Jenkinson es el artista que más ha tratado, y lo ha logrado, de llevar el arte y la técnica de la música electrónica hacia sus límites. Este increíble ep fue de lo primero que yo escuché de él y es un disco sorprendente en el cual la síntesis granular producida con la caja de ritmos Boss DR-660 (la cual nunca fue creada con este propósito) y el conocimiento - según el propio Squarepusher, del sampler Akai s950 que el conoce mejor que los propios fabricantes- pudieron producir cosas que hasta ahora la gente no cree que fueron hechas con ambos instrumentos. Este es un bello ep con tracks de gran emotividad y la música, el cual, luego, el propio Jenkinson llevaría hacia los límites de lo posible que completaría con el álbum del 2001, Go Plastic, que es hasta ahora el mejor álbum de su carrera y su obra maestra, en mi opinión.
7. AFX: Analogue Bubblebath Vol. 3, Rephlex, 1993
El genio de la música electrónica, Richard D. James, más conocido también cómo Aphex Twin o AFX merece tener dos eps en esta lista. Este hermoso e inolvidable disco fue el primero que yo compré de el y fue el que me introdujo al mundo de la electrónica y le tengo mucho amor y respeto. Aquí hay un track que, en mi opinión, ha sido de lo más hermoso que ha compuesto y producido AFX, el cual se llama CAT 00897-AA1, el octavo track del ep y es la razón por la cual yo me enamorara de la música electrónica. Un hermoso extended play que fue compuesto enteramente con instrumentos análogos.
8. Phonem: Phonetik, Morr Music, 1999
Phonem es el seudónimo de Elliot Perkins, un productor de música electrónica británico. Este hermoso y emotivo ep contiene 4 pistas o tracks pero cada una merecen estar en el disco y en esta lista. La música de Phonem es muy emotiva y este ep no es una excepción. Tiene semejanzas con el album que el mismo sello, Morr Music, lanzó un año después, el cual se llama Hydro Electric del año 2000 dónde se encuentra probablemente el track más bello que ha producido Phonem - Currents (220v Offshore).
9. Bochum Welt: Feelings on a Screen, Rephlex, 1997
Gianluigi Di Costanzo o Bochum Welt es un productor italiano. Este precioso disco es prueba, otra vez, cómo todos los discos que están en esta lista, que la música electrónica puede resultar muy cálida y humana, hasta a veces más que otros tipos de música. Una obra maestra.
10. Plaid: P-Brane, Warp, 2002
El dúo conformado por Ed Handley y Andy Turner - Plaid - es un estandarte de la música electrónica de avanzada desde hace 20 años. Este gran ep contiene 4 tracks inolvidables, desafiantes y bellos.
Musicine
Aquí puedes encontrar artículos y reseñas sobre música y cine.
miércoles, 4 de noviembre de 2015
domingo, 12 de julio de 2015
Aphex Twin
Soy de las personas que reflexionan mucho acerca de un tema, de algo o de alguien que le interesa, le gusta o admira. Una de esas personas es Richard David James, más conocido con el nombre artístico de Aphex Twin. Mucho se ha hablado, discutido y se ha dicho sobre este personaje esencial para entender y conocer cómo han sido usados de manera genial y brillante los nuevos avances en la tecnología y por lo tanto, en la música electrónica. ¿Que es la música electrónica? Nuevos avances en la música aprovechando la tecnología para desarrollarla más. ¿Quién es Aphex Twin? Según el diario británico The Guardian: "La figura más inventiva e influyente en la música electrónica contemporánea."
Richard D. James nació en Limerick, Irlanda, el 18 de Agosto de 1971. Está activo en la música desde 1985. Ya desde niño se metía dentro del piano casero en casa de sus padres y trataba de modificar las partes del mismo para que este suene de manera distinta. Se le reconoce como un genio. El Mozart del Techno fue llamado una vez por una publicación. Su primer álbum fue Selected Ambient Works 85-92 el cual salió en el sello Apollo. Si usamos la cronología a su favor Richard D. James está activo desde que tenía 14 años musicalmente hablando, aunque su amigo y colaborador, Tom Middleton, dice que empezó a hacer música a los 12 años.Se le considera el padre del ambient techno y la prueba es el disco antes mencionado. Cuando nadie hacía la música que el hizo en esa época el, adelantándose a su época cómo todo genio, logró fusionar el ambient y el techno, creando una obra que ha sido considerada por la revista FACT como el mejor disco de los noventas y el pilar de la música electrónica moderna. Selected Ambient Works 85-92 es un disco hermoso, emotivo y genial que todo amante de la electrónica debe tener.
En este blog escogí dentro de la lista de los 10 mejores álbumes de música electrónica entre uno de ellos al Richard D. James Album del año 1996. Tuve que escoger 10 discos y no repetir artistas y escoger sólo uno de aquellos que más me gustan y que considero los mejores. Pero en la continuación del Selected Ambient Works 85-92 que fue Selected Ambient Works Volume II de 1994 hay tres pistas que yo considero las más bellas pistas de ambient que se han compuesto: estas son Rhubarb (pista 3 del primer disco) si lo tienen en CD, Lichen (pista 8 del segundo disco) y Stone in Focus (pista que sólo se encuentra en la versión en vinilo del album). Estas tres piezas compuestas por Richard David James son prueba de que la electrónica no es fría ni inhumana y que en la música menos es más.
Cuando escucho su música escucho la música que siempre quise escuchar e imaginé. Su música parece simple y él hace que parezca que la ha hecho sin complicaciones y ahí reside parte de su magia y su genio, en que hace que parezca fácil. Es música increíble y genialmente programada que se caracteriza por tener sonidos únicos que no vas a escuchar de ningún otro artista trabajando en el campo de la música electrónica. Hay muchos que se asemejan y se aproximan a él en el aspecto musical cómo Mike Paradinas (U-Ziq) y Tom Jenkinson (Squarepusher) pero hay algo que nadie ha podido hacer con la misma profundidad que él y esto es que perceptivamente el se mete en la música. Esto es algo difícil de describirle a alguien que no ha escuchado a Aphex Twin pero si escuchas algunos de sus discos sabrás de lo que hablo.
Y lo ha logrado porque el modifica y construye sus propios instrumentos, antes hardwares (sintetizadores), luego softwares (programas musicales de computadora) y esto lo hace porque odia sonar cómo el resto y quiere que su música suene y sea lo más personalizada posible; así que en términos técnicos su música es incomparable a cualquier otro artista en el área de la música electrónica.
Richard D. James es un recluso que le ha tomado el pelo a la industria musical durante toda su carrera. Si quieren saber más al respecto sólo tienen que googlearlo y leer algunas de sus entrevistas. Lo primero que yo escuché de él fue lo primero que escuché de lo que se llama música electrónica para escuchar o simplemente electrónica que fue el album de 1995 ...I Care Because You Do, que fue una recopilación de tracks que el fue produciendo durante principios de los noventas hasta ese año. Está afiliado al sello británico Warp Records desde 1992 y ha lanzado todos sus discos bajo su seudónimo más conocido, Aphex Twin, en el mismo con mucho éxito. Cabe mencionar que ha trabajado y trabaja bajo otros nombres cómo Polygon Window, The Tuss y AFX.
Lo que nunca aburre de la música de Richard D. James es que nunca se repite y siempre, con cada disco nuevo que lanza, trata algo completamente nuevo de lo que hizo anteriormente. Esa es una cualidad que hace que su música sea tan apreciada y atesorada por una multitud de fans mundialmente. Su música es de gran valor hoy en día porque la música electrónica ha cobrado una relevancia y una importancia tan grande en el siglo 21 porque siempre representó el futuro. La música electrónica es el futuro y no hay otro artista para introducir a alguien al mundo del arte y la técnica de la música electrónica que Aphex Twin.
Richard D. James nació en Limerick, Irlanda, el 18 de Agosto de 1971. Está activo en la música desde 1985. Ya desde niño se metía dentro del piano casero en casa de sus padres y trataba de modificar las partes del mismo para que este suene de manera distinta. Se le reconoce como un genio. El Mozart del Techno fue llamado una vez por una publicación. Su primer álbum fue Selected Ambient Works 85-92 el cual salió en el sello Apollo. Si usamos la cronología a su favor Richard D. James está activo desde que tenía 14 años musicalmente hablando, aunque su amigo y colaborador, Tom Middleton, dice que empezó a hacer música a los 12 años.Se le considera el padre del ambient techno y la prueba es el disco antes mencionado. Cuando nadie hacía la música que el hizo en esa época el, adelantándose a su época cómo todo genio, logró fusionar el ambient y el techno, creando una obra que ha sido considerada por la revista FACT como el mejor disco de los noventas y el pilar de la música electrónica moderna. Selected Ambient Works 85-92 es un disco hermoso, emotivo y genial que todo amante de la electrónica debe tener.
En este blog escogí dentro de la lista de los 10 mejores álbumes de música electrónica entre uno de ellos al Richard D. James Album del año 1996. Tuve que escoger 10 discos y no repetir artistas y escoger sólo uno de aquellos que más me gustan y que considero los mejores. Pero en la continuación del Selected Ambient Works 85-92 que fue Selected Ambient Works Volume II de 1994 hay tres pistas que yo considero las más bellas pistas de ambient que se han compuesto: estas son Rhubarb (pista 3 del primer disco) si lo tienen en CD, Lichen (pista 8 del segundo disco) y Stone in Focus (pista que sólo se encuentra en la versión en vinilo del album). Estas tres piezas compuestas por Richard David James son prueba de que la electrónica no es fría ni inhumana y que en la música menos es más.
Cuando escucho su música escucho la música que siempre quise escuchar e imaginé. Su música parece simple y él hace que parezca que la ha hecho sin complicaciones y ahí reside parte de su magia y su genio, en que hace que parezca fácil. Es música increíble y genialmente programada que se caracteriza por tener sonidos únicos que no vas a escuchar de ningún otro artista trabajando en el campo de la música electrónica. Hay muchos que se asemejan y se aproximan a él en el aspecto musical cómo Mike Paradinas (U-Ziq) y Tom Jenkinson (Squarepusher) pero hay algo que nadie ha podido hacer con la misma profundidad que él y esto es que perceptivamente el se mete en la música. Esto es algo difícil de describirle a alguien que no ha escuchado a Aphex Twin pero si escuchas algunos de sus discos sabrás de lo que hablo.
Y lo ha logrado porque el modifica y construye sus propios instrumentos, antes hardwares (sintetizadores), luego softwares (programas musicales de computadora) y esto lo hace porque odia sonar cómo el resto y quiere que su música suene y sea lo más personalizada posible; así que en términos técnicos su música es incomparable a cualquier otro artista en el área de la música electrónica.
Richard D. James es un recluso que le ha tomado el pelo a la industria musical durante toda su carrera. Si quieren saber más al respecto sólo tienen que googlearlo y leer algunas de sus entrevistas. Lo primero que yo escuché de él fue lo primero que escuché de lo que se llama música electrónica para escuchar o simplemente electrónica que fue el album de 1995 ...I Care Because You Do, que fue una recopilación de tracks que el fue produciendo durante principios de los noventas hasta ese año. Está afiliado al sello británico Warp Records desde 1992 y ha lanzado todos sus discos bajo su seudónimo más conocido, Aphex Twin, en el mismo con mucho éxito. Cabe mencionar que ha trabajado y trabaja bajo otros nombres cómo Polygon Window, The Tuss y AFX.
Lo que nunca aburre de la música de Richard D. James es que nunca se repite y siempre, con cada disco nuevo que lanza, trata algo completamente nuevo de lo que hizo anteriormente. Esa es una cualidad que hace que su música sea tan apreciada y atesorada por una multitud de fans mundialmente. Su música es de gran valor hoy en día porque la música electrónica ha cobrado una relevancia y una importancia tan grande en el siglo 21 porque siempre representó el futuro. La música electrónica es el futuro y no hay otro artista para introducir a alguien al mundo del arte y la técnica de la música electrónica que Aphex Twin.
jueves, 7 de mayo de 2015
Las primeras 10 mejores películas que he visto
Esta lista es, cómo todas las listas personales; subjetiva, y así los gustos, es decir dependen de la interpretación y las preferencias de las personas.
No están ordenadas en ningún orden específico. Acá están las 10 primeras mejores películas que he visto hasta ahora:
Esta película fue considerada en su momento cómo el canto de cisne del gran director sueco. Iba a ser su despedida del mundo cinematográfico y contiene todos los elementos de una gran película de Bergman: la emotividad y melancolía que fueron casi su sello. Es mi película preferida, la cual escogería si me pidieran que escoja una película para ver por el resto de mi vida. Es una hermosa y bella película hecha por un genio y el cual fue y sigue considerado por sus seguidores cómo el más grande artista del cine y el que llevó el arte del cine a su más alto grado de perfección.
Esta es una obra monumental que consta de 10 capítulos de una hora de duración cada uno y está basada en los diez mandamientos. Kieslowski pudo retratar la condición humana cómo muy pocos y esta es su obra maestra y la obra cinematográfica más importante que se haya filmado en mi opinión por lo que representa y por su importancia moral y ética. Fue hecha para la televisión polaca y es considerada una de las más grandes películas que se hayan filmado. Una obra de arte humana y maravillosa que toca el alma y el corazón.
Este filme es la adaptación magistral de "El Corazón de las Tinieblas" de Joseph Conrad ambientada en la guerra de Vietnam. Es considerada por muchos críticos cómo una de las mejores películas de la historia del cine. Es una obra de arte que retrata el horror de una brillante manera. Ford Coppola es un genio del cine y esta es su obra maestra. Es, cómo todas las películas que están en esta lista, de cabecera, en mi opinión. La he visto repetidas veces y nunca me he cansado, siempre le encuentro cosas nuevas. Una obra de arte.
Cuando yo empecé a estudiar la carrera de dirección de cine consideraba a Roman Polanski cómo uno de mis directores favoritos y todavía lo es. Esta genial película sólo pudo haber sido hecha de la manera en la que fue hecha por un genio cómo Polanski. Es lo mejor que ha hecho en toda su carrera en mi opinión. Sigue la línea de thriller psicológico de El bebé de Rosemary pero llevada a una experiencia vivencial extraordinariamente sofocante. Es una película a la cual no se le da mucha importancia en la historia del cine pero yo la considero una obra maestra esencial.
El Ciudadano Kane fue el debut de Orson Welles y es su obra maestra. Esta película habla por sí sola. Es el compendio del lenguaje cinematográfico, la que le dio un significado propio a cada aspecto del lenguaje y la que introdujo la técnica del foco profundo; es decir que todo lo que se ve en pantalla esté en foco; que se vea claramente lo que está más cerca y lo que está más lejos de la cámara. Es una obra de arte magistral y ha sido considerada por 50 años cómo la mejor película de la historia del cine mundial y la mejor película que ha salido de Hollywood.
Esta maravillosa obra de arte retrata el horror de las guerras de una manera hermosa. Es una película ambientada en la guerra pero que toca temas profundos cómo la condición humana puesta a prueba en eventos tan inmorales y violentos cómo una guerra. Una obra de arte filosófica, monumental y magistral de un director único y su obra maestra, en mi opinión.
David Lynch es un personaje excéntrico y un gran artista. Eraserhead fue su primera película y es la más bizarra, rayada y loca de todas. El nunca ha explicado de que trata realmente el filme y deja la explicación a la interpretación de cada espectador. Es una película de culto, sofocante durante gran parte del tiempo que dura y no es para todos. Yo creo que está basada en sus experiencias mientras vivió en Philadelphia cómo estudiante, las cuales el propio Lynch ha declarado que no fueron muy buenas ni agradables. También incluye metáforas tales cómo el miedo a ser padre, la alienación del ser humano en las urbes y el aislamiento que propicia la vida moderna.
Esta película está basada en un libro del mismo nombre escrito por Hubert Selby Jr y es una gran película que me dejó estupefacto y asombrado la primera vez que la vi en el cine. Me marcó para siempre. Es una película que retrata la autodestrucción de tres adictos a la heroína y de la madre de uno de ellos que se vuelve adicta a las anfetaminas pero que toca temas más profundos que la adicción a las drogas. Es una metáfora de la condición humana y de la existencia. Habla sobre la soledad a la que el ser humano está expuesto en esta vida si lo que quiere es escapar de ella, no afrontarla. Una obra de arte y lo mejor que ha hecho Aronofsky.
Esta maravillosa y emotiva película me hizo llorar la primera vez que la vi. Fue la última que filmó Sergio Leone; que fue conocido por sus Spaghettis Westerns y es la mejor para mí. Una obra de arte maravillosa, humana y magistral que retrata el lado humano del mundo del crimen representada por la mafia judía de Nueva York en las primeras décadas del siglo 20 en EE.UU. Le tomó a Leone 10 años terminarla por la compleja producción que tuvo y es una de las películas más emotivas que probablemente existan. La música del genio Ennio Morricone le da una fragilidad y una sensibilidad única. Una obra de arte en todo el sentido de la palabra.
Kubrick sin lugar a dudas fue un genio y un perfeccionista consumado. Visualmente el más grande de todos los directores y Barry Lyndon es lo más bello que filmó. Es una película pictórica. Es cómo ver cuadros de Goya o de Velásquez. Es una película histórica y magistral. Contiene la primera escena que fue filmada con luces de velas enteramente, algo que fue una revolución en su momento. Es una de las películas más bellas de la historia del cine.
No están ordenadas en ningún orden específico. Acá están las 10 primeras mejores películas que he visto hasta ahora:
- Fanny y Alexander de Ingmar Bergman, 1982
Esta película fue considerada en su momento cómo el canto de cisne del gran director sueco. Iba a ser su despedida del mundo cinematográfico y contiene todos los elementos de una gran película de Bergman: la emotividad y melancolía que fueron casi su sello. Es mi película preferida, la cual escogería si me pidieran que escoja una película para ver por el resto de mi vida. Es una hermosa y bella película hecha por un genio y el cual fue y sigue considerado por sus seguidores cómo el más grande artista del cine y el que llevó el arte del cine a su más alto grado de perfección.
- El Decálogo de Krzysztof Kieslowski, 1989
Esta es una obra monumental que consta de 10 capítulos de una hora de duración cada uno y está basada en los diez mandamientos. Kieslowski pudo retratar la condición humana cómo muy pocos y esta es su obra maestra y la obra cinematográfica más importante que se haya filmado en mi opinión por lo que representa y por su importancia moral y ética. Fue hecha para la televisión polaca y es considerada una de las más grandes películas que se hayan filmado. Una obra de arte humana y maravillosa que toca el alma y el corazón.
- Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, 1979
Este filme es la adaptación magistral de "El Corazón de las Tinieblas" de Joseph Conrad ambientada en la guerra de Vietnam. Es considerada por muchos críticos cómo una de las mejores películas de la historia del cine. Es una obra de arte que retrata el horror de una brillante manera. Ford Coppola es un genio del cine y esta es su obra maestra. Es, cómo todas las películas que están en esta lista, de cabecera, en mi opinión. La he visto repetidas veces y nunca me he cansado, siempre le encuentro cosas nuevas. Una obra de arte.
- El Quimérico Inquilino de Roman Polanski, 1976
Cuando yo empecé a estudiar la carrera de dirección de cine consideraba a Roman Polanski cómo uno de mis directores favoritos y todavía lo es. Esta genial película sólo pudo haber sido hecha de la manera en la que fue hecha por un genio cómo Polanski. Es lo mejor que ha hecho en toda su carrera en mi opinión. Sigue la línea de thriller psicológico de El bebé de Rosemary pero llevada a una experiencia vivencial extraordinariamente sofocante. Es una película a la cual no se le da mucha importancia en la historia del cine pero yo la considero una obra maestra esencial.
- El Ciudadano Kane de Orson Welles, 1941
El Ciudadano Kane fue el debut de Orson Welles y es su obra maestra. Esta película habla por sí sola. Es el compendio del lenguaje cinematográfico, la que le dio un significado propio a cada aspecto del lenguaje y la que introdujo la técnica del foco profundo; es decir que todo lo que se ve en pantalla esté en foco; que se vea claramente lo que está más cerca y lo que está más lejos de la cámara. Es una obra de arte magistral y ha sido considerada por 50 años cómo la mejor película de la historia del cine mundial y la mejor película que ha salido de Hollywood.
- La delgada línea roja de Terrence Malick, 1998
Esta maravillosa obra de arte retrata el horror de las guerras de una manera hermosa. Es una película ambientada en la guerra pero que toca temas profundos cómo la condición humana puesta a prueba en eventos tan inmorales y violentos cómo una guerra. Una obra de arte filosófica, monumental y magistral de un director único y su obra maestra, en mi opinión.
- Eraserhead de David Lynch, 1977
David Lynch es un personaje excéntrico y un gran artista. Eraserhead fue su primera película y es la más bizarra, rayada y loca de todas. El nunca ha explicado de que trata realmente el filme y deja la explicación a la interpretación de cada espectador. Es una película de culto, sofocante durante gran parte del tiempo que dura y no es para todos. Yo creo que está basada en sus experiencias mientras vivió en Philadelphia cómo estudiante, las cuales el propio Lynch ha declarado que no fueron muy buenas ni agradables. También incluye metáforas tales cómo el miedo a ser padre, la alienación del ser humano en las urbes y el aislamiento que propicia la vida moderna.
- Requiem por un sueño de Darren Aronofsky, 2000
Esta película está basada en un libro del mismo nombre escrito por Hubert Selby Jr y es una gran película que me dejó estupefacto y asombrado la primera vez que la vi en el cine. Me marcó para siempre. Es una película que retrata la autodestrucción de tres adictos a la heroína y de la madre de uno de ellos que se vuelve adicta a las anfetaminas pero que toca temas más profundos que la adicción a las drogas. Es una metáfora de la condición humana y de la existencia. Habla sobre la soledad a la que el ser humano está expuesto en esta vida si lo que quiere es escapar de ella, no afrontarla. Una obra de arte y lo mejor que ha hecho Aronofsky.
- Erase una vez en América de Sergio Leone, 1984
Esta maravillosa y emotiva película me hizo llorar la primera vez que la vi. Fue la última que filmó Sergio Leone; que fue conocido por sus Spaghettis Westerns y es la mejor para mí. Una obra de arte maravillosa, humana y magistral que retrata el lado humano del mundo del crimen representada por la mafia judía de Nueva York en las primeras décadas del siglo 20 en EE.UU. Le tomó a Leone 10 años terminarla por la compleja producción que tuvo y es una de las películas más emotivas que probablemente existan. La música del genio Ennio Morricone le da una fragilidad y una sensibilidad única. Una obra de arte en todo el sentido de la palabra.
- Barry Lyndon de Stanley Kubrick, 1975
Kubrick sin lugar a dudas fue un genio y un perfeccionista consumado. Visualmente el más grande de todos los directores y Barry Lyndon es lo más bello que filmó. Es una película pictórica. Es cómo ver cuadros de Goya o de Velásquez. Es una película histórica y magistral. Contiene la primera escena que fue filmada con luces de velas enteramente, algo que fue una revolución en su momento. Es una de las películas más bellas de la historia del cine.
sábado, 18 de abril de 2015
Los otros 10 mejores discos de música electrónica que se han producido y que tengo.
1. Brothomstates: Claro, Warp Records, 2001
El debut del Finlandés Lassi Nikko en el sello Warp es un álbum que representa al llamado IDM, o simplemente electrónica. Nikko, que fue partícipe de la llamada Demo Scene a principios de los noventa logró, después, construir y perfeccionar un sonido único que transmite calma. Este magnífico álbum es uno de mis preferidos y lo considero de lo mejor que ha lanzado Warp en ese periodo que fue durante el auge de este estilo de música electrónica el cual fusiona técnicas de la música de baile electrónica con técnicas de la música de vanguardia electrónica y electro acústica. Un gran debut y un gran disco.
2. Capitol K: Island Row, Planet Mu Records, 2000
Sin duda el sello británico Planet Mu tuvo su auge durante principios del siglo 21 con discos cómo este. Capitol K es uno de los seudónimos artísticos de Kristian Craig Robinson, un británico que fue descubierto por Mike Paradinas y que produjo este bello disco en el 2000. Es un disco único tal cómo Capitol K quiso que fuese. En este álbum se pueden escuchar muchos estilos fusionados pero más que nada es un álbum que es bellísimo durante los 48 minutos que dura. La guitarra y los sonidos orgánicos se mezclan increíblemente bien con las texturas y las atmósferas electrónicas. Este disco también es uno de mis preferidos y lo consideré por mucho tiempo cómo el mejor disco que tuve.
3. Bogdan Raczynski: My love I love, Rephlex Records, 2001
El sello de Richard D. James y Grant Wilson Claridge, Rephlex, también es hogar de increíbles álbumes y eps y este precioso y emotivo álbum del polaco Bogdan Raczysnki no es una excepción. Este álbum contiene los tracks y las melodías más lindas que ha compuesto Bogdan Raczynski. Es un disco conceptual que se refiere al amor en todas sus dimensiones. Raczynski usando solamente una laptop durante su carrera ha podido y ha sabido producir alucinante e increíble música que refleja que la precariedad en la música no sólo a veces es obligatoria, por tener un presupuesto ajustado, sino que puede producir cosas increíbles porque una de las cosas más alucinantes que tiene la música electrónica es que no son los instrumentos o programas que tengas lo importante sino lo que haces con ellos.
4. Bola : Soup, Skam Records, 1998
Darrel Fitton, más conocido cómo Bola, es un productor inglés que le brindó al dúo, también Mancuniano, Autechre, las facilidades de su estudio para que ambos puedan aprender, experimentar y producir el Lego Feet, cómo se conoce la primera encarnación de Autechre, en el sello de Manchester ,Skam, que fue a la vez el primer álbum que Skam lanzó comercialmente. Fitton no sólo ayudó a que Autechre surja para que luego este sea contratado por Warp Records sino que les brindó las facilidades, otra vez, dos años después; en 1993 para que el dúo conformado por Booth y Brown produjeran su debut en Warp que se llamó Incunabula. Se dice en los círculos más cercanos a ambos proyectos que Fitton estuvo de ingeniero de sonido en la grabación del debut de Autechre en Warp.
Soup fue el debut de Bola en el sello Skam, en el cual se dice Darrel Fitton trabaja cómo ingeniero de sonido interno. Soup es lo más perfecto a lo que un álbum de música electrónica puede apuntar. Si bien Autechre estuvo inspirado, en un inicio por la música electrónica de baile, cómo el electro y el hip hop, el proyecto de Darrel Fitton está enraizado en caminos más clásicos hablando de música electrónica y cito un ejemplo: Tangerine Dream. Este magnífico disco fluye en el alma y lo sumerge a uno en un mundo de sonidos electrónicos hermosos y líquidos. Este álbum es considerado de los mejores discos de música electrónica que se han producido y está destinado a ser un clásico.
5. Global Goon: Vatican Nitez, Rephlex Records, 2002
Global Goon es el nombre artístico de Jonathan Taylor, un productor inglés de música electrónica. Este disco para mí es lo mejor que ha hecho. Es una odisea y representa el nombre que Rephlex acuñó para referirse a la música que el sello lanza; llamado Braindance. El lúdico estilo de este álbum hace que uno se vea inmerso en él cuando lo escucha. Taylor usa filtros en su música que son terapéuticos para los oídos. Este es un álbum fascinante que me vino con un sticker en la portada que dice: "Una relajante odisea de Braindance. Atractiva, involvidable y divertida."
6. Various Artists: Lily of the Valley, Schematic, 2000
Schematic es el sello fundado por Romulo del Castillo y Joshua Kay en Miami y el concepto de esta compilación es el amor. Se le pidió a todos los artistas que compongan tracks sobre el amor y el resultado es más que satisfactorio. Un hermoso disco con tracks involvidables y de lo mejor que se ha hecho en Schematic. Una belleza.
7. Richard Devine: Lipswitch, Schematic ,Warp Records, 2000
Richard Devine es un ingeniero de sonido y productor de música electrónica cuya música se caracteriza por usar una alta dosis de dsp (digital signal processing o procesamiento de señales digitales) y por tener ritmos complejos y texturas igual de complicadas. Se dice que en cada track de este disco hay centenares de sonidos, todos mezclados extraordinariamente por Richard Devine. Una obra maestra sin duda.
8. Gimmik: Back to Basics, Toytronic, 2003
Martin Haidinger o Gimmik es un productor que fundó el sello Toytronic y este álbum es lo mejor que ha hecho. En este hermoso disco hay melodías preciosas y tracks de gran emotividad. Gimmik tiene su propio sonido y en este disco se puede oír bellamente junto a melodías y beats de un alto calibre. Una hermosura.
9. CiM: Do Not Multiply Models, Ann Aimee, 2004
Simon Walley, más conocido cómo CiM es un productor que produjo un álbum para el sello deFocus el año 2000 y luego produjo una serie de eps. Do not Multiply Models es una compilación que recopila los tracks de tres eps que fueron lanzados antes del 2000 en diferentes sellos. Es un álbum hermoso con tracks de una belleza increíble. Representa el arte del IDM (Intelligent Dance Music) en su estado más puro. Una joya.
10. Bochum Welt: Kissing a Robot Goodbye, Device, 2004
Gianluigi Di Costanzo o Bochum Welt es un productor italiano que ha estado afiliado en el sello Rephlex de Inglaterra por un considerable tiempo. Este álbum es el más hermoso que ha compuesto. Su estilo es IDM ambiental. Este disco fue producido con instrumentos análogos cómo el sintetizador Korg MS 20, sintetizador usado extensamente por Aphex Twin también. Un precioso disco.
El debut del Finlandés Lassi Nikko en el sello Warp es un álbum que representa al llamado IDM, o simplemente electrónica. Nikko, que fue partícipe de la llamada Demo Scene a principios de los noventa logró, después, construir y perfeccionar un sonido único que transmite calma. Este magnífico álbum es uno de mis preferidos y lo considero de lo mejor que ha lanzado Warp en ese periodo que fue durante el auge de este estilo de música electrónica el cual fusiona técnicas de la música de baile electrónica con técnicas de la música de vanguardia electrónica y electro acústica. Un gran debut y un gran disco.
2. Capitol K: Island Row, Planet Mu Records, 2000
Sin duda el sello británico Planet Mu tuvo su auge durante principios del siglo 21 con discos cómo este. Capitol K es uno de los seudónimos artísticos de Kristian Craig Robinson, un británico que fue descubierto por Mike Paradinas y que produjo este bello disco en el 2000. Es un disco único tal cómo Capitol K quiso que fuese. En este álbum se pueden escuchar muchos estilos fusionados pero más que nada es un álbum que es bellísimo durante los 48 minutos que dura. La guitarra y los sonidos orgánicos se mezclan increíblemente bien con las texturas y las atmósferas electrónicas. Este disco también es uno de mis preferidos y lo consideré por mucho tiempo cómo el mejor disco que tuve.
3. Bogdan Raczynski: My love I love, Rephlex Records, 2001
El sello de Richard D. James y Grant Wilson Claridge, Rephlex, también es hogar de increíbles álbumes y eps y este precioso y emotivo álbum del polaco Bogdan Raczysnki no es una excepción. Este álbum contiene los tracks y las melodías más lindas que ha compuesto Bogdan Raczynski. Es un disco conceptual que se refiere al amor en todas sus dimensiones. Raczynski usando solamente una laptop durante su carrera ha podido y ha sabido producir alucinante e increíble música que refleja que la precariedad en la música no sólo a veces es obligatoria, por tener un presupuesto ajustado, sino que puede producir cosas increíbles porque una de las cosas más alucinantes que tiene la música electrónica es que no son los instrumentos o programas que tengas lo importante sino lo que haces con ellos.
4. Bola : Soup, Skam Records, 1998
Darrel Fitton, más conocido cómo Bola, es un productor inglés que le brindó al dúo, también Mancuniano, Autechre, las facilidades de su estudio para que ambos puedan aprender, experimentar y producir el Lego Feet, cómo se conoce la primera encarnación de Autechre, en el sello de Manchester ,Skam, que fue a la vez el primer álbum que Skam lanzó comercialmente. Fitton no sólo ayudó a que Autechre surja para que luego este sea contratado por Warp Records sino que les brindó las facilidades, otra vez, dos años después; en 1993 para que el dúo conformado por Booth y Brown produjeran su debut en Warp que se llamó Incunabula. Se dice en los círculos más cercanos a ambos proyectos que Fitton estuvo de ingeniero de sonido en la grabación del debut de Autechre en Warp.
Soup fue el debut de Bola en el sello Skam, en el cual se dice Darrel Fitton trabaja cómo ingeniero de sonido interno. Soup es lo más perfecto a lo que un álbum de música electrónica puede apuntar. Si bien Autechre estuvo inspirado, en un inicio por la música electrónica de baile, cómo el electro y el hip hop, el proyecto de Darrel Fitton está enraizado en caminos más clásicos hablando de música electrónica y cito un ejemplo: Tangerine Dream. Este magnífico disco fluye en el alma y lo sumerge a uno en un mundo de sonidos electrónicos hermosos y líquidos. Este álbum es considerado de los mejores discos de música electrónica que se han producido y está destinado a ser un clásico.
5. Global Goon: Vatican Nitez, Rephlex Records, 2002
Global Goon es el nombre artístico de Jonathan Taylor, un productor inglés de música electrónica. Este disco para mí es lo mejor que ha hecho. Es una odisea y representa el nombre que Rephlex acuñó para referirse a la música que el sello lanza; llamado Braindance. El lúdico estilo de este álbum hace que uno se vea inmerso en él cuando lo escucha. Taylor usa filtros en su música que son terapéuticos para los oídos. Este es un álbum fascinante que me vino con un sticker en la portada que dice: "Una relajante odisea de Braindance. Atractiva, involvidable y divertida."
6. Various Artists: Lily of the Valley, Schematic, 2000
Schematic es el sello fundado por Romulo del Castillo y Joshua Kay en Miami y el concepto de esta compilación es el amor. Se le pidió a todos los artistas que compongan tracks sobre el amor y el resultado es más que satisfactorio. Un hermoso disco con tracks involvidables y de lo mejor que se ha hecho en Schematic. Una belleza.
7. Richard Devine: Lipswitch, Schematic ,Warp Records, 2000
Richard Devine es un ingeniero de sonido y productor de música electrónica cuya música se caracteriza por usar una alta dosis de dsp (digital signal processing o procesamiento de señales digitales) y por tener ritmos complejos y texturas igual de complicadas. Se dice que en cada track de este disco hay centenares de sonidos, todos mezclados extraordinariamente por Richard Devine. Una obra maestra sin duda.
8. Gimmik: Back to Basics, Toytronic, 2003
Martin Haidinger o Gimmik es un productor que fundó el sello Toytronic y este álbum es lo mejor que ha hecho. En este hermoso disco hay melodías preciosas y tracks de gran emotividad. Gimmik tiene su propio sonido y en este disco se puede oír bellamente junto a melodías y beats de un alto calibre. Una hermosura.
9. CiM: Do Not Multiply Models, Ann Aimee, 2004
Simon Walley, más conocido cómo CiM es un productor que produjo un álbum para el sello deFocus el año 2000 y luego produjo una serie de eps. Do not Multiply Models es una compilación que recopila los tracks de tres eps que fueron lanzados antes del 2000 en diferentes sellos. Es un álbum hermoso con tracks de una belleza increíble. Representa el arte del IDM (Intelligent Dance Music) en su estado más puro. Una joya.
10. Bochum Welt: Kissing a Robot Goodbye, Device, 2004
Gianluigi Di Costanzo o Bochum Welt es un productor italiano que ha estado afiliado en el sello Rephlex de Inglaterra por un considerable tiempo. Este álbum es el más hermoso que ha compuesto. Su estilo es IDM ambiental. Este disco fue producido con instrumentos análogos cómo el sintetizador Korg MS 20, sintetizador usado extensamente por Aphex Twin también. Un precioso disco.
miércoles, 25 de febrero de 2015
El Ciudadano Kane o Cómo llegué a entender las ironías de la vida
Para el que escribe si Ingmar Bergman fue el más grande director de cine que el mundo ha visto, El Ciudadano Kane de Orson Welles ha sido, es y seguirá siendo la más grande película que el mundo ha visto. Orson Welles, su director, fue un genio, un niño prodigio. Un hombre de teatro que entró al cine por su talento en la radio y en producciones teatrales, tales cómo los sucesos teatrales del Teatro Mercury en Broadway y la transmisión de La Guerra de los Mundos de H.G. Wells, que espantó y aterrorizó a millones de oyentes radiales norteamericanos cuando sólo era una broma. Sin duda que lo fue. El estudio de Hollywood RKO lo contrató en 1939 después de haber notado su talento para que dirija dos películas, siendo el contrato algo totalmente inusual en Hollywood para un director inexperto (y esta es una de las primeras ironías de la fama de esta película y de su director que luego elaboraré más profundamente).Welles tuvo la dicha y la suerte de tener un contrato de ensueño cuando la RKO le permitió elaborar su propio guión, contratar a su propio elenco y tener toda la libertad creativa para desarrollar el proyecto a su gusto; lo que en Hollywood y en inglés se llama Final Cut. El primer proyecto de Welles fue hacer una adaptación cinematográfica de El Corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad pero el estudio desistió porque dijo que era imposible realizarla. Luego Welles se asoció con Herman Wankiewicz para escribir el guión de El Ciudadano Kane.
El Ciudadano Kane tiene la fama de ser la mejor película que ha salido de Hollywood y de EE.UU. Ha estado rankeada por 50 años en la encuesta anual de críticos cinematográficos mundiales de la revista Británica Sight & Sound cómo la mejor película de la historia del cine. Ingmar Bergman detestó la película, dijo que las actuaciones habían sido inservibles y que no entendía la fama y el respeto que la película tenía. Creo que el único con derecho a haber hecho una declaración así fue Bergman. Herman Mankiewicz era una leyenda en los círculos Hollywoodenses y Welles era su amigo. El guión de la película lo realizó Mankiewicz bajo la supervisión y colaboración de Welles.
El Ciudadano Kane estuvo basada en la idea de contar la misma cosa varias veces desde diferentes puntos de vista y estuvo basada e influenciada en una gran figura americana y el escogido fue William Randolph Hearst, el magnate de los medios de comunicación norteamericanos. Aunque también el personaje estuvo influenciado por otros magnates, específicamente de Chicago, la ciudad en dónde Welles nació. Welles no logró convencer a los periodistas , luego del estreno de la película, de que el personaje de Charles Foster Kane no era Hearst. Luego del estreno, en 1941, Hearst prohibió que se hablara de la película en todos sus periódicos y mantuvo una relación áspera con Welles poniéndolo en su lista negra.
El Ciudadano Kane es el compendio del lenguaje cinematográfico. Welles, que era un novato en el mundo del cine, no sabía nada de cine y en la pre producción del filme estudió y vió La Diligencia de John Ford 40 veces y cuando los periodistas le preguntaban que directores le gustaban el respondía: John Ford, John Ford, John Ford. También pidió ver El Cabinete del Dr Caligari pidiéndoselo al Múseo de Arte Moderno y pidió ver películas de René Clair. Frank Capra, Jean Renoir, Fritz Lang y King Vidor. El director de cinematografía de El Ciudadano Kane fue Greg Toland, al que Welles describió cómo:" en ese momento, el más importante director de cinematografía del mundo". Orson Welles tuvo 26 años cuando realizó El Ciudadano Kane que sigue siendo su obra maestra y la obra maestra del cine norteamericano y fue su primera película. Es algo muy irónico y peculiar que un genio haga su debut y luego en toda su carrera no logre superar ese primer intento o experimento, que no fue fallido, sino que fue una revolución para el mundo del cine porque se adelantó a su época. Es la primera película que recopila todo el lenguaje cinematográfico y le da un significado propio, algo que no se había visto hasta 1941 cuando se estrenó el filme. Es también la película que introdujo la técnica del Foco Profundo o "Deep Focus" cómo se conoce en inglés; que significa que todo el encuadre, es decir, todo lo que se ve en pantalla esté en foco totalmente, que se vea claramente lo que está más cerca a la cámara y el fondo. Ese nuevo aporte en el mundo cinematográfico fue lo que le dió la fama al Ciudadano Kane cómo el pilar para que directores de la talla de Stanley Kubrick se sirvan de inspiración cómo muestra la extraordinaria cinematografía que caracterizaron a las películas de Kubrick. El Foco Profundo o Deep Focus permite que el espectador escoja y se enfoque en lo que el quiera ver, en lo que desee, proveyendo al espectador de más libertad de la que podría obtener si estuviese viendo un encuadre dónde lo que está más cerca a la cámara se ve claramente pero el fondo no, lo cual tiene la cualidad de obligar al espectador a que se enfoque en lo que se ve claramente solamente.
En las elaboraciones más profundas y complejas que voy a abordar tengo que decir que la primera ironía del filme es que el personaje principal, Charles Foster Kane, lo tiene todo pero no tiene nada. Materialmente, económicamente hablando lo tiene todo, más de lo necesario y creo que ese factor hace que al final sienta que no tiene nada. Lo peor de tenerlo todo es que no tienes nada al final porque no le das valor a las cosas que tienes, en cambio si tienes poco si le das valor a las cosas que tienes. La segunda ironía del filme, en este caso de su director, es que Orson Welles nunca pudo superar ese primer filme, el cual cuando le preguntaron cómo logró hacer tal obra maestra, declaró: "pura ignorancia, ignorancia, ignorancia". Es muy irónico que un genio cómo Orson Welles diga eso, pero en realidad si fue producto de su ignorancia porque no sabía nada de cine y tenía sólo 26 años cuando la hizo. Pero cómo todo descubrimiento, cosa genial u obra de arte que se crea que realmente tiene valor, estas son hechas de casualidad, son descubiertas, creadas por error. Esa es otra gran ironía de la vida y del arte. Otra ironía es que las mejores obras de arte, en toda la historia de la civilización, en un principio son creadas pero nunca, durante la vida de su creador, son valoradas, apreciadas y recordadas. El reconocimiento de las grandes obras de arte y de los grandes artistas siempre fue póstumo en muchos casos; cómo el de Johann Sebastian Bach, Vincent Van Gogh, etc. Hay ejemplos abundantes de grandes artistas que fueron desdeñados durante su vida pero que luego fueron reconocidos después de su muerte.
La carrera de Welles nunca fue la misma después del Ciudadano Kane porque la película fue olvidada durante casi dos décadas y luego re descubierta por críticos en los sesentas que le dieron el valor, la importancia y el respeto legendario que tiene el filme. Si bien Welles durante su carrera y su vida fue reconocido, la fama de la película lo eclipsó y nunca pudo escapar realmente de la persecución que William Randolph Hearst tuvo para con él gracias a su inmenso poder en EE.UU. y a su vasto imperio de medios de comunicación. Felizmente la película, no importa lo que haya podido haber dicho o hecho William Randolph Hearst para eclipsarla, sigue siendo la mejor película norteamericana y muchos críticos la colocan en el puesto número uno de todas las películas que se han hecho en la historia del cine mundial.
El Ciudadano Kane tiene la fama de ser la mejor película que ha salido de Hollywood y de EE.UU. Ha estado rankeada por 50 años en la encuesta anual de críticos cinematográficos mundiales de la revista Británica Sight & Sound cómo la mejor película de la historia del cine. Ingmar Bergman detestó la película, dijo que las actuaciones habían sido inservibles y que no entendía la fama y el respeto que la película tenía. Creo que el único con derecho a haber hecho una declaración así fue Bergman. Herman Mankiewicz era una leyenda en los círculos Hollywoodenses y Welles era su amigo. El guión de la película lo realizó Mankiewicz bajo la supervisión y colaboración de Welles.
El Ciudadano Kane estuvo basada en la idea de contar la misma cosa varias veces desde diferentes puntos de vista y estuvo basada e influenciada en una gran figura americana y el escogido fue William Randolph Hearst, el magnate de los medios de comunicación norteamericanos. Aunque también el personaje estuvo influenciado por otros magnates, específicamente de Chicago, la ciudad en dónde Welles nació. Welles no logró convencer a los periodistas , luego del estreno de la película, de que el personaje de Charles Foster Kane no era Hearst. Luego del estreno, en 1941, Hearst prohibió que se hablara de la película en todos sus periódicos y mantuvo una relación áspera con Welles poniéndolo en su lista negra.
El Ciudadano Kane es el compendio del lenguaje cinematográfico. Welles, que era un novato en el mundo del cine, no sabía nada de cine y en la pre producción del filme estudió y vió La Diligencia de John Ford 40 veces y cuando los periodistas le preguntaban que directores le gustaban el respondía: John Ford, John Ford, John Ford. También pidió ver El Cabinete del Dr Caligari pidiéndoselo al Múseo de Arte Moderno y pidió ver películas de René Clair. Frank Capra, Jean Renoir, Fritz Lang y King Vidor. El director de cinematografía de El Ciudadano Kane fue Greg Toland, al que Welles describió cómo:" en ese momento, el más importante director de cinematografía del mundo". Orson Welles tuvo 26 años cuando realizó El Ciudadano Kane que sigue siendo su obra maestra y la obra maestra del cine norteamericano y fue su primera película. Es algo muy irónico y peculiar que un genio haga su debut y luego en toda su carrera no logre superar ese primer intento o experimento, que no fue fallido, sino que fue una revolución para el mundo del cine porque se adelantó a su época. Es la primera película que recopila todo el lenguaje cinematográfico y le da un significado propio, algo que no se había visto hasta 1941 cuando se estrenó el filme. Es también la película que introdujo la técnica del Foco Profundo o "Deep Focus" cómo se conoce en inglés; que significa que todo el encuadre, es decir, todo lo que se ve en pantalla esté en foco totalmente, que se vea claramente lo que está más cerca a la cámara y el fondo. Ese nuevo aporte en el mundo cinematográfico fue lo que le dió la fama al Ciudadano Kane cómo el pilar para que directores de la talla de Stanley Kubrick se sirvan de inspiración cómo muestra la extraordinaria cinematografía que caracterizaron a las películas de Kubrick. El Foco Profundo o Deep Focus permite que el espectador escoja y se enfoque en lo que el quiera ver, en lo que desee, proveyendo al espectador de más libertad de la que podría obtener si estuviese viendo un encuadre dónde lo que está más cerca a la cámara se ve claramente pero el fondo no, lo cual tiene la cualidad de obligar al espectador a que se enfoque en lo que se ve claramente solamente.
En las elaboraciones más profundas y complejas que voy a abordar tengo que decir que la primera ironía del filme es que el personaje principal, Charles Foster Kane, lo tiene todo pero no tiene nada. Materialmente, económicamente hablando lo tiene todo, más de lo necesario y creo que ese factor hace que al final sienta que no tiene nada. Lo peor de tenerlo todo es que no tienes nada al final porque no le das valor a las cosas que tienes, en cambio si tienes poco si le das valor a las cosas que tienes. La segunda ironía del filme, en este caso de su director, es que Orson Welles nunca pudo superar ese primer filme, el cual cuando le preguntaron cómo logró hacer tal obra maestra, declaró: "pura ignorancia, ignorancia, ignorancia". Es muy irónico que un genio cómo Orson Welles diga eso, pero en realidad si fue producto de su ignorancia porque no sabía nada de cine y tenía sólo 26 años cuando la hizo. Pero cómo todo descubrimiento, cosa genial u obra de arte que se crea que realmente tiene valor, estas son hechas de casualidad, son descubiertas, creadas por error. Esa es otra gran ironía de la vida y del arte. Otra ironía es que las mejores obras de arte, en toda la historia de la civilización, en un principio son creadas pero nunca, durante la vida de su creador, son valoradas, apreciadas y recordadas. El reconocimiento de las grandes obras de arte y de los grandes artistas siempre fue póstumo en muchos casos; cómo el de Johann Sebastian Bach, Vincent Van Gogh, etc. Hay ejemplos abundantes de grandes artistas que fueron desdeñados durante su vida pero que luego fueron reconocidos después de su muerte.
La carrera de Welles nunca fue la misma después del Ciudadano Kane porque la película fue olvidada durante casi dos décadas y luego re descubierta por críticos en los sesentas que le dieron el valor, la importancia y el respeto legendario que tiene el filme. Si bien Welles durante su carrera y su vida fue reconocido, la fama de la película lo eclipsó y nunca pudo escapar realmente de la persecución que William Randolph Hearst tuvo para con él gracias a su inmenso poder en EE.UU. y a su vasto imperio de medios de comunicación. Felizmente la película, no importa lo que haya podido haber dicho o hecho William Randolph Hearst para eclipsarla, sigue siendo la mejor película norteamericana y muchos críticos la colocan en el puesto número uno de todas las películas que se han hecho en la historia del cine mundial.
domingo, 22 de febrero de 2015
Los 10 mejores discos de música electrónica que se han producido, que tengo y que existen para mí.
1. :zoviet*france:: Mohnomishe, Red Rhino Records, 1983
Este disco lo considero un pilar de la música electrónica
experimental, del ambient post industrial y de la música en general. Es
considerado el mejor disco de Zoviet France, el cual es un colectivo anónimo de
etnomusicólogos y músicos electrónicos que utilizan la electrónica para crear
culturas ficticias en dónde la realidad pasa a ser parte de lo que se llama en
inglés “hypnagogic”, que es el estado en el cual uno se encuentra antes de
dormir. Es música que no tiene la intención de ser música, es algo más.
Hipnótica, hermosa y alucinante por naturaleza este disco es la esencia de
Zoviet France, que se ha convertido en mi grupo favorito.
2. Coil: Musick to Play in the Dark Vol.2, Chalice, 2000
Este disco de Coil, una banda ya desaparecida de paganos y
músicos electrónicos representa otro pilar de la música electrónica
experimental en este periodo. La música de Coil es mágica, ritualista y espiritual. Es
alucinante para un amante de la música electrónica, como yo, tiene un sonido
único, profundo e hipnótico. Representa la esencia y el pico en la carrera de
este proyecto lamentablemente ya desaparecido pero no olvidado y recordado.
3. Aphex Twin: Richard D. James Album, 1996, Warp Records
Richard D. James o Aphex Twin es el genio de la música
electrónica contemporánea. El mejor programador, inventivo y con una genialidad
admirable. Este es el mejor album de su carrera y fue uno de los primeros discos
que yo escuché de él y que me introdujo al mundo de la música electrónica. Fue
grabado digitalmente, en una computadora. Representa el pico de la carrera y el
genio de Aphex Twin. Es uno de los mejores discos de música electrónica que se
han producido, de los más hermosos, emotivos y geniales que he escuchado en
toda mi vida.
4. Autechre: Tri Repetae,
1995, Warp Records
Para este momento ya deben estar pensando que Warp Records, un sello discográfico británico de música
electrónica e independiente debe ser el mejor sello de música electrónica. No
se equivocan, lo es. Autechre es un duo formado por Sean Booth y Rob Brown
proveniente de Manchester, Inglaterra que es otro pilar de la música electrónica
contemporánea y experimental.
Tri Repetae es producto de la experimentación y el trabajo
arduo de Booth y Brown que lograron con este disco adelantarse unos años a su
época. Ellos son los representantes del estilo que Warp desarrolló que fue
solamente un intento por desarrollar y hacer avanzar el arte y la técnica de la
música electrónica llamado IDM (Intelligent Dance Music) o simplemente
electrónica. El primer track de este magnífico álbum es una obra maestra de la
secuenciación y del lenguaje midi de instrumentos análogos y digitales siempre
manejados por las mentes de Booth y Brown, figuras ya legendarias en el
circuito de la música electrónica mundial.
5. U-Ziq: Royal Astronomy, 1999, Hut Recordings
Mike Paradinas más conocido como U-Ziq (music) es un
productor inglés de música electrónica de la misma generación que Aphex Twin y
Autechre. Amigo de Aphex, produjo un álbum junto a él en 1996 llamado Expert
Knob Twiddlers bajo el nombre de Mike & Rich. Paradinas tiene un oído para
la música admirable, melódico y brillante. Royal Astronomy es su disco más
bello en el cual logró colocar influencias clásicas (un amigo cuando lo escuchó
me dijo que parecía Mozart en Extasis), buena metáfora. En este gran disco que
es en dónde más bellamente se pueden oír las melodías producidas por sus
sintetizadores trabajando en interacción con los samplers y efectos logró
llegar a la cúspide de su experimentación con muchos estilos fusionándolos y
jugando con ellos logrando un sonido hermoso gracias a su genial programación.
Realmente una joya.
6. William Basinski: The River, 2002, Raster Noton
Aparte de la electrónica, el ambient es el otro estilo de
música electrónica que yo más amo. El ambient o música ambiental sirve para
calmar los sentidos, la mente y el alma para crear la atmósfera adecuada en la
cual uno pueda pensar y meditar y dónde uno pueda dejarse llevar por el largo
viaje al que esta maravillosa música induce. Un viaje feliz, tranquilo, dónde
uno puede perderse y esconderse del mundo por momentos pero dónde uno
encontrará nada más que belleza. The River es la obra maestra de William Basinski,
un músico experimental, que a principios de los ochentas creó sus primeras
piezas ambientales, como The River; compuesta en 1983 y que luego más adelante
fueron re descubiertas y lanzadas comercialmente por sellos cómo Raster Noton
que se dieron cuenta de la importancia vital de Basinski cómo una figura importantísima
dentro del mundo del ambient. El disco consta de dos piezas de casi 50 minutos
de duración cada una. Este disco es un viaje hipnótico que lo lleva a uno por
caminos dónde las ondas radiales se mezclan con sonidos sacados de la radio en
el cual uno es parte de una de las más maravillosas piezas que se han
compuesto.
7. Boards of Canada: Music Has The Right To Children, 1998,
Warp Records, Skam Records
El dúo conformado por los hermanos Michael Sandison y Marcus
Eoin, Boards of Canada, está envuelto en un secretismo muy particular y unos
misterios que nunca han sido del todo revelados. El nombre del dúo está inspirado en The
National Film Boards Of Canada, la empresa cinematográfica canadiense, que
produjo documentales y videos educativos, los cuales ambos hermanos disfrutaron
de niños cuando vivieron en Canadá. Este maravilloso y hermoso disco fue el
debut en el sello Warp y es la esencia del dúo en su estado más puro. La música
es una mezcla de beats de hip hop experimentales, samples de videos educativos de los setentas y melodías infantiles que lo transportan a uno a esos momentos y recuerdos de
la infancia de cada persona de las cuales uno nunca quiere olvidarse. Es uno de
los pilares del llamado IDM, o electrónica, que fue originalmente resultado de
la experimentación de artistas del sello Warp cómo Aphex Twin, Autechre y
Squarepusher que fusionaron técnicas de la música de baile, cómo timestretchs,
ediciones técnicas de sampleo y de secuenciación con influencias de otros tipos
de técnicas de la llamada música de vanguardia electrónica y dieron como
resultado esta música melódica, experimental, bella, desafiante y muy técnica. Este
debut es reconocido dentro de los 25 discos psicodélicos más importantes que se
han producido.
8. Squarepusher: Go Plastic, 2001, Warp Records
Si hay algún artista y algún disco que hayan empujado el
arte de la música electrónica hacia sus límites ha sido Tom Jenkinson o
Squarepusher y el disco ha sido Go Plastic. Este disco representa el pico y la
cúspide de la creatividad, experimentación y destreza de Tom Jenkinson cómo
músico y productor. La música de este increíble disco es denominada drill and
bass, mentalism, y una fusión de breaks,
garaje y dub. Uno al terminar de escuchar este disco puede terminar mareado o
exaltado por todas las innovaciones tecnológicas que ha escuchado. Uno de los
aportes más grandes e importantes que la música electrónica ha aportado al arte
de la música es hacer que las cosas irrealizables para los seres humanos,
supuestamente, puedan realizarse, gracias a la tecnología y Go Plastic es
prueba de ello. Un disco sorprendente en dónde el sonido de la información se
mezcla con el break más sampleado de la historia, el amen break, el cual
Squarepusher usa, re usa, construye, de construye y manipula a su antojo
creando una obra sin paralelos en los cánones de la música electrónica y su obra
maestra para mí.
9. Brian Eno with Daniel Lanois and Roger Eno: Apollo
Atmospheres & Soundtracks, 1983, Polydor
Brian Eno es el artista, productor y músico inglés que acuñó
el término ambient. El padre de este género junto a contemporáneos que un poco
después que el empezaron a componer piezas ambientales, cómo William Basinksi,
entre otros. Sin duda 1983 fue un gran año para la música electrónica, Zoviet France
produjo el “Mohnomishe”, William Basinski “The River” y Brian Eno con ayuda de
Daniel Lanois y Roger Eno compuso este hermoso disco. Apollo Atmospheres &
Soundtracks es el acompañamiento musical que estos tres productores produjeron
para acompañar la llegada a la luna después de que la NASA le entregó todo el
material visual a Eno para que el produjera el soundtrack o la banda sonora de
este alucinante viaje y si que logró hacerlo alucinante cómo el mismo viaje. En
este disco hay joyas ambientales y musicales que muchos músicos y productores
creen que son de las más bellas que probablemente se han producido. Este
hermoso y emotivo álbum representa la cúspide de la carrera de Brian Eno y es
prueba de que la electrónica no es fría e inhumana, al contrario, a veces
resulta más cálida y humana que otros tipos de música. Una obra maestra sin
duda.
10. Kyle Bobby Dunn: Kyle Bobby Dunn & The Infinite
Sadness, 2014, Students Of Decay
Si hay algún músico y productor que llevará la antorcha que
Brian Eno dejará será Kyle Bobby Dunn. Este productor de ambient canadiense
crea música muy meditativa, profunda e hipnótica de una belleza y fragilidad
sublimes. Este disco lanzado el año pasado representa el pico de la carrera de
Bobby Dunn en su estado más puro. Es música que te toca el corazón, el alma y
los sentidos cómo cada buena obra del ambient. Con esta obra maestra cierro mi
lista de los 10 mejores discos de música electrónica que se han producido, que tengo
y que existen para mí, hasta ahora.
miércoles, 10 de diciembre de 2014
Krzysztof Kieslowski
Después de Ingmar Bergman, para mí, Krzysztof Kieslowski
ha sido el más grande director que este mundo ha visto. Bergman y Kieslowski
han sido los que más han hablado sobre la condición humana y mejor han sabido
retratarla. Sus filmes son representaciones de la vida moderna que relatan
historias de personajes falibles que no saben la diferencia entre el bien y el
mal y que buscaban desesperadamente. Sus películas son de una estética bella,
hermosa y frágil y tenía una sensibilidad única que no he encontrado en ningún
otro director.Si la frase “todos somos únicos” se aplicara al cine yo creo que
se estarían refiriendo a él, a Bergman y probablemente también a Andrei
Tarkovsky. Pero este artículo trata sobre Kieslowski así que voy a hablar sobre
él. Yo estudié la carrera de dirección de cine y mi tesis fue sobre el uso y la
importancia de la música en las películas de Kieslowski. Fue un director
sumamente musical y lo entiendo, entiendo sus luchas, sus frustraciones, sus
logros y su sensibilidad, pero más que nada su corazón que fue enorme, es por
eso que lo amo y me gusta tanto, igual que a Bergman.
Kieslowski nació en el seno de una familia modesta en
Varsovia, Polonia. Vivió durante su infancia y adolescencia en diferentes
pueblos ya que su padre, que sufría de tuberculosis, necesitaba ser
tratado en diferentes lugares. En 1957, a los 16 años, entró en la Escuela para
Técnicos de Teatro en Varsovia solamente porque un pariente la dirigía. Durante
esa experiencia decidió ser director de teatro pero, en esa época, necesitabas
tener un título para ingresar en la Escuela, así que decidió
convertirse en director de cine. Trabajando como técnico de teatro decidió
presentarse a la famosa Escuela de Cine de Lodz, que tuvo
como alumnos a los también directores de cine Roman Polanski y Andrzej Wajda.
Lo rechazaron dos veces y cabe mencionar que durante este tiempo para evitar el
servicio militar obligatorio se convirtió, brevemente, en un estudiante de arte
y también estuvo bajo una dieta rigurosa para volverse no apto para el
servicio. Después de varios meses se presentó, por tercera vez, a la Escuela y, esta vez, si consiguió ingresar. Estuvo en la Escuela durante
cuatro años (1964-1968), mientras que en esa época el gobierno permitía un alto
nivel de libertad artística y fue durante estas circunstancias que Kieslowski
estuvo interesado en hacer documentales.
Durante su último año se casó con su entonces enamorada,
Maria (Marysia) Cautillo, el 2 de enero de 1967 y estuvo casado con ella hasta
el día de su muerte. Juntos tuvieron una hija llamada Marta ( 8 de enero de
1972).
Sus primeros documentales estuvieron
centrados en gente común como trabajadores, obreros o soldados. A pesar de
nunca haberse considerado un cineasta político se dio cuenta que retratar la
vida polaca le traería conflictos con las autoridades. Su documental para la
televisión Obreros 71 o Workers 71 en inglés que mostraba a obreros discutiendo
las razones de las huelgas generales de 1970 sólo se mostró bajo censura.
Después de realizar este documental filmó un filme llamado Curriculum Vitae, que mezclaba el material documentalista de las protestas de
Politburo con una historia ficticia sobre un hombre sometido al escrutinio de
los oficiales. Aunque Kieslowski creía que el mensaje del film era
anti-autoritario muchos colegas suyos lo criticaron diciendo que había
trabajado de la mano con las autoridades en la producción del mismo. Kieslowski después dijo públicamente
que había abandonado el documental a partir de dos experiencias: la primera fue
la censura de Obreros 71 que le hizo pensar si realmente se podía decir
literalmente la verdad en un régimen autoritario y la segunda fue una
experiencia vivida durante la filmación de Estación o Station un documental
filmado en 1981 en el cual bastante del material filmado se usó como evidencia
en un caso criminal. Fue a partir de estas experiencias que decidió que la
ficción, no solamente, permitía más libertad artística sino que también podía
retratar la vida más fielmente. Sus primeras películas de ficción fueron
Personel (Personal) de 1975, que fue hecha para la televisión y con la cual
ganó el primer premio en el Festival de Mannheim y The Scar (La Cicatriz) o
(Blizna en polaco) de 1976, ambos fueron trabajos ligados estrictamente al
realismo social. Personel trataba sobre técnicos trabajando en una producción
teatral, basada en las primeras experiencias del director en la Escuela de
Técnicos Teatrales y The Scar mostraba la disconformidad y los cambios de un
pequeño pueblo polaco a causa de un proyecto industrial. Estos dos filmes
fueron filmados con un estilo documentalista y con un reparto de no actores.
Estas películas retrataban la vida cotidiana en Polonia bajo un sistema
opresivo como el que se vivió en Polonia durante esa época. Luego realizó
Camera Buff (Amator en polaco) de 1979, que ganó el gran premio del Festival
Internacional de Moscú y Blind Chance o (Przypadek en polaco) de 1981. Ambas
películas continuaron por una línea similar a las dos anteriores pero esta vez
centrándose en decisiones éticas y morales tomadas por personajes en vez de comunidades.
Durante este tiempo se le incluyó dentro de los directores del
cine de la Ansiedad Moral, término que describía el cine de directores polacos
tales como Janusz Kijowski, Andrzej Wajda y Agnieszka Holland, su relación con
estos directores, en especial Holland le causaron muchos inconvenientes por parte del gobierno y todos sus primeros filmes fueron censurados
y tuvo que filmar y editar nuevamente muchas secuencias de ellos bajo la mirada
del gobierno. Un ejemplo de esto fue que Blind Chance no fue estrenada en
Polonia sino hasta 1987, casi seis años después de que se filmó.
No End (Bez konca en polaco) de 1985 fue su película más
política porque trataba sobre los juicios políticos polacos de esa época, desde
el punto de vista, inusual, del fantasma de un abogado y su viuda. Fue
criticada duramente por el gobierno. Desde esta película su nombre se vería asociado, para bien, con dos nombres, el del guionista
Krzysztof Piesiewicz y el del compositor Zbigniew Preisner. Piesewicz era un
abogado que Kieslowski conoció mientras investigaba juicios políticos para un
planeado documental sobre el tema que nunca llegó a producirse. Piesiewicz
escribió todos los guiones de todas las siguientes películas de Kieslowski y Preisner
escribió toda la música para sus películas, empezando con No End.
Luego llegaría El Decálogo (The Decalogue) de 1988, considerada una obra maestra y es para mí la más importante obra cinematográfica que se haya filmado por lo que representa y por su importancia moral y ética. El Decálogo es una serie de diez películas de aproximadamente
una hora de duración, cada una hecha para la televisión polaca. Fueron filmadas
en una residencial en Varsovia y cada capítulo está basado en uno de los Diez
Mandamientos. Kieslowski adaptó dos capítulos para la pantalla grande,
expandiéndolas a casi una hora y media cada una, estas fueron A Short Film
About Killing o No Matarás (1988) y A Short Film About Love o No Amarás (1988).
El Decálogo no son de ninguna manera simples ilustraciones de los mandamientos
sino más bien complejas investigaciones de cómo estos diez principios, que
representan uno de los pilares morales y éticos de la filosofía occidental,
pueden cuestionar, guiar y ser relevantes para las personas en las sociedades
modernas. En un cierto sentido, las películas, cada una de
ellas entrelazando en una o más crisis morales de carácter existencial, giran
en torno a los mandamientos, a veces siguiendo el significado tradicional y
otras veces, alejándose aparentemente de ese significado, cuestionando o
desarrollando nuevas y originales direcciones.
Sus cuatro últimas películas fueron
coproducciones extranjeras. Estuvieron centradas en temas morales y
metafísicos. Estas cuatro películas fueron sus mayores éxitos comerciales e
internacionales. La primera fue La Doble Vida de Verónica de 1990 con la actriz
francesa Irene Jacob cómo protagonista. Luego siguió La Trilogía: Azul, Blanco
y Rojo en 1993 y 1994, que explora las virtudes que simboliza la bandera
francesa. Esta trilogía le otorgó a Kieslowski muchos reconocimientos y premios
internacionales, incluyendo el León Dorado como mejor película en el Festival
de Cine de Venecia, el Oso plateado como mejor director en el Festival de Cine
de Berlín y recibió tres nominaciones a los premios Oscar.
Krzystof Kieslowski es considerado uno de los grandes directores
cinematográficos que ha tenido Europa. Anunció públicamente su
retiro del mundo cinematográfico después de la premiere de su último filme,
Rojo, en el Festival de Cannes en 1994. Después de dos años de haber hecho este
anuncio Kieslowski murió el 13 de Marzo de 1996
a los 54 años de edad durante una cirugía de corazón abierto después de
haber sufrido un ataque al corazón. Está enterrado en el cementerio Powazki en
Varsovia.
En una entrevista dada en la Universidad de Oxford en
Inglaterra esto es lo que dijo acerca de por qué hacía cine:
“Viene de una profunda convicción de que si hay algo que
realmente vale en el nombre de la cultura, este es el de tocar temas y
situaciones que unen a la gente y no aquellas que las divide. Hay muchas cosas
en el mundo que nos dividen como la religión, la política, la historia y el
nacionalismo. Si la cultura es capaz de algo, entonces esta es la de encontrar
algo que nos una y hay muchas cosas que unen a la gente, no importa quién eres
o quién soy yo. Si a ti te duele la muela, o si a mí me duele la muela, no
importa, es el mismo dolor. Los sentimientos es lo que une a la gente porque la
palabra amor tiene el mismo significado para todos. O miedo, o sufrimiento.
Todos le tememos a lo mismo y de la misma manera y todos amamos de la misma
manera. Es por eso que hablo de estas cosas porque en todas las otras cosas
encuentro una división”.
Krzysztof
Kieslowski hacía películas íntimas sobre seres humanos falibles para
espectadores que piensan. Ya desde sus primeros cortos como estudiante y sus
primeras realizaciones se pudo ver con anticipación a este creador y narrador
de filmes que capturaba mágicamente el azar y la transcendencia en la vida
humana. Kieslowski pudo retratar como muy pocos la vida interna de los seres
humanos con una sensibilidad y fragilidad única. Muy pocos cineastas han podido
luchar tan consistentemente para lograr hacer que la gente entienda, o en
muchos casos, que simplemente estén conscientes, de las verdades profundas del
mundo que los rodea o del mundo interno de las personas para explorar la
misteriosa interacción del azar y las decisiones en las relaciones humanas. En
el Decálogo, por ejemplo, ambos autores del filme, Kieslowski y el
coguionista Krzysztof Piesiewicz, lograron colocar abstractos absolutos dentro
de situaciones realistas, concretas e impredecibles. Con El Decálogo lograron
transcribir lo metafísico dentro de lo tangible. Las metáforas bien
desarrolladas y los símbolos penetran profundamente el alma humana. Krzysztof Kieslowski
fue criado como católico romano y mantuvo, de joven, lo que él llamaba una
relación personal y privada con Dios. En una entrevista dijo que él no era
creyente y que por cuarenta años no había entrado a una iglesia y también, en
otra entrevista, declaró: “no creo en Dios pero tengo una buena relación con
El”.
Sus filmes nos desafían a pensar más profundamente acerca
de la vida y la ética. Según el mismo Kieslowski sus películas son acerca de
gente que no sabe cómo comportarse, que no saben cómo vivir, que realmente no
saben la diferencia entre lo bueno y lo malo y que buscan desesperadamente. Sus
filmes fueron hechos con mucho cuidado, detenimiento y sensibilidad. En Tres
Colores la trilogía que estuvieron basadas en la bandera francesa y sus valores
simbólicos; Azul: libertad, Blanco: igualdad y Rojo: fraternidad; no solo
explora esos temas sino que esos colores (gracias a la iluminación, a la
dirección de fotografía y a diversos filtros de la cámara) llenan visualmente
cada una de las películas. Uno puede ver cada película separadamente pero si
uno las ve en orden hay conecciones sorprendentes y pequeños detalles que se
dejan revelar. Cada una cuenta una historia distinta con diferentes personajes
pero cada una contiene escenas sacadas de las otras y en Rojo todos los
protagonistas se encuentran, brevemente, juntos, no estando, los personajes,
conscientes de que están juntos. También se puede apreciar, en un momento, la
imagen de unos cables eléctricos que pasan entre casas y apartamentos y quizás Kieslowski,
con esta imagen, nos esté haciendo recordar, desde un punto de vista
individualista del mundo que las relaciones y el hecho de vivir en comunidad no
solamente es esencial en la vida, sino inevitable. Cabe añadir, también, que
sus películas son enigmáticas y pueden resultar, ocasionalmente, irritablemente
oscuras, depende de los gustos. Hay muchos cabos sueltos, a veces demasiados,
pero quizás nos estaba haciendo recordar que inclusive la vida ordinaria es más
misteriosa de lo que imaginamos. Una vida llena de detalles que nos hacen
pensar. Estos filmes cuentan historias no para entretener sino para desafiarnos
que pensemos de nuevo y para que veamos en nuevas direcciones.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)