El Ciudadano Kane o Cómo llegué a entender las ironías de la vida

Para el que escribe si Ingmar Bergman fue el más grande director de cine que el mundo ha visto, El Ciudadano Kane de Orson Welles ha sido, es y seguirá siendo la más grande película que el mundo ha visto. Orson Welles, su director, fue un genio, un niño prodigio. Un hombre de teatro que entró al cine por su talento en la radio y en producciones teatrales, tales cómo los sucesos teatrales del Teatro Mercury en Broadway y la transmisión de La Guerra de los Mundos de H.G. Wells, que espantó y aterrorizó a millones de oyentes radiales norteamericanos cuando sólo era una broma. Sin duda que lo fue. El estudio de Hollywood RKO lo contrató en 1939 después de haber notado su talento para que dirija dos películas, siendo el contrato algo totalmente inusual en Hollywood para un director inexperto (y esta es una de las primeras ironías de la fama de esta película y de su director que luego elaboraré más profundamente).Welles tuvo la dicha y la suerte de tener un contrato de ensueño cuando la RKO le permitió elaborar su propio guión, contratar a su propio elenco y tener toda la libertad creativa para desarrollar el proyecto a su gusto; lo que en Hollywood y en inglés se llama Final Cut. El primer proyecto de Welles fue hacer una adaptación cinematográfica de El Corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad pero el estudio desistió porque dijo que era imposible realizarla. Luego Welles se asoció con Herman Wankiewicz para escribir el guión de El Ciudadano Kane.

El Ciudadano Kane tiene la fama de ser la mejor película que ha salido de Hollywood y de EE.UU. Ha estado rankeada por 50 años en la encuesta anual de críticos cinematográficos mundiales de la revista Británica Sight & Sound cómo la mejor película de la historia del cine. Ingmar Bergman detestó la película, dijo que las actuaciones habían sido inservibles y que no entendía la fama y el respeto que la película tenía. Creo que el único con derecho a haber hecho una declaración así fue Bergman. Herman Mankiewicz era una leyenda en los círculos Hollywoodenses y Welles era su amigo. El guión de la película lo realizó Mankiewicz bajo la supervisión y colaboración de Welles.

El Ciudadano Kane  estuvo basada en la idea de contar la misma cosa varias veces desde diferentes puntos de vista y estuvo basada e influenciada en una gran figura americana y el escogido fue William Randolph Hearst, el magnate de los medios de comunicación norteamericanos. Aunque también el personaje estuvo influenciado por otros magnates, específicamente de Chicago, la ciudad en dónde Welles nació. Welles no logró convencer a los periodistas , luego del estreno de la película, de que el personaje de Charles Foster Kane no era Hearst. Luego del estreno, en 1941, Hearst prohibió que se hablara de la película en todos sus periódicos y mantuvo una relación áspera con Welles poniéndolo en su lista negra.

El Ciudadano Kane es el compendio del lenguaje cinematográfico. Welles, que era un novato en el mundo del cine, no sabía nada de cine y en la pre producción del filme estudió y vió La Diligencia de John Ford 40 veces y cuando los periodistas le preguntaban que directores le gustaban el respondía: John Ford, John Ford, John Ford. También pidió ver El Cabinete del Dr Caligari pidiéndoselo al Múseo de Arte Moderno y pidió ver películas de René Clair. Frank Capra, Jean Renoir, Fritz Lang y King Vidor. El director de cinematografía de El Ciudadano Kane fue Greg Toland, al que Welles describió cómo:" en ese momento, el más importante director de cinematografía del mundo". Orson Welles tuvo 26 años cuando realizó El Ciudadano Kane que sigue siendo su obra maestra y la obra maestra del cine norteamericano y fue su primera película. Es algo muy irónico y peculiar que un genio haga su debut y luego en toda su carrera no logre superar ese primer intento o experimento, que no fue fallido, sino que fue una revolución para el mundo del cine porque se adelantó a su época. Es la primera película que recopila todo el lenguaje cinematográfico y le da un significado propio, algo que no se había visto hasta 1941 cuando se estrenó el filme. Es también la película que introdujo la técnica del Foco Profundo o "Deep Focus" cómo se conoce en inglés; que significa que todo el encuadre, es decir, todo lo que se ve en pantalla esté en foco totalmente, que se vea claramente lo que está más cerca a la cámara y el fondo. Ese nuevo aporte en el mundo cinematográfico fue lo que le dió la fama al Ciudadano Kane cómo el pilar para que directores de la talla de Stanley Kubrick se sirvan de inspiración cómo muestra la extraordinaria cinematografía que caracterizaron a las películas de Kubrick. El Foco Profundo o Deep Focus permite que el espectador escoja y se enfoque en lo que el quiera ver, en lo que desee, proveyendo al espectador de más libertad de la que podría obtener si estuviese viendo un encuadre dónde lo que está más cerca a la cámara se ve claramente pero el fondo no, lo cual tiene la cualidad de obligar al espectador a que se enfoque en lo que se ve claramente solamente.

En las elaboraciones más profundas y complejas que voy a abordar tengo que decir que la primera ironía del filme es que el personaje principal, Charles Foster Kane, lo tiene todo pero no tiene nada. Materialmente, económicamente hablando lo tiene todo, más de lo necesario y creo que ese factor hace que al final sienta que no tiene nada. Lo peor de tenerlo todo es que no tienes nada al final porque no le das valor a las cosas que tienes, en cambio si tienes poco si le das valor a las cosas que tienes. La segunda ironía del filme, en este caso de su director, es que Orson Welles nunca pudo superar ese primer filme, el cual cuando le preguntaron cómo logró hacer tal obra maestra, declaró: "pura ignorancia, ignorancia, ignorancia". Es muy irónico que un genio cómo Orson Welles diga eso, pero en realidad si fue producto de su ignorancia porque no sabía nada de cine y tenía sólo 26 años cuando la hizo. Pero cómo todo descubrimiento, cosa genial u obra de arte que se crea que realmente tiene valor, estas son hechas de casualidad, son descubiertas, creadas por error. Esa es otra gran ironía de la vida y del arte. Otra ironía es que las mejores obras de arte, en toda la historia de la civilización, en un principio son creadas pero nunca, durante la vida de su creador, son valoradas, apreciadas y recordadas. El reconocimiento de las grandes obras de arte y de los grandes artistas siempre fue póstumo en muchos casos; cómo el de Johann Sebastian Bach, Vincent Van Gogh, etc. Hay ejemplos abundantes de grandes artistas que fueron desdeñados durante su vida pero que luego fueron reconocidos después de su muerte.

La carrera de Welles nunca fue la misma después del Ciudadano Kane porque la película fue olvidada durante casi dos décadas y luego re descubierta por críticos en los sesentas que le dieron el valor, la importancia y el respeto legendario que tiene el filme. Si bien Welles durante su carrera y su vida fue reconocido, la fama de la película lo eclipsó y nunca pudo escapar realmente de la persecución que William Randolph Hearst tuvo para con él gracias a su inmenso poder en EE.UU. y a su vasto imperio de medios de comunicación. Felizmente la película, no importa lo que haya podido haber dicho o hecho William Randolph Hearst para eclipsarla, sigue siendo la mejor película norteamericana y muchos críticos la colocan en el puesto número uno de todas las películas que se han hecho en la historia del cine mundial.

Los 10 mejores discos de música electrónica que se han producido, que tengo y que existen para mí.

1. :zoviet*france:​: Mohnomishe, Red Rhino Records, 1983

Este disco lo considero un pilar de la música electrónica experimental, del ambient post industrial y de la música en general. Es considerado el mejor disco de Zoviet France, el cual es un colectivo anónimo de etnomusicólogos y músicos electrónicos que utilizan la electrónica para crear culturas ficticias en dónde la realidad pasa a ser parte de lo que se llama en inglés “hypnagogic”, que es el estado en el cual uno se encuentra antes de dormir. Es música que no tiene la intención de ser música, es algo más. Hipnótica, hermosa y alucinante por naturaleza este disco es la esencia de Zoviet France, que se ha convertido en mi grupo favorito.

2. Coil: Musick to Play in the Dark Vol.2, Chalice, 2000

Este disco de Coil, una banda ya desaparecida de paganos y músicos electrónicos representa otro pilar de la música electrónica experimental en este periodo. La música de Coil es  mágica, ritualista y espiritual. Es alucinante para un amante de la música electrónica, como yo, tiene un sonido único, profundo e hipnótico. Representa la esencia y el pico en la carrera de este proyecto lamentablemente ya desaparecido pero no olvidado y recordado.

3. Aphex Twin: Richard D. James Album, 1996, Warp Records

Richard D. James o Aphex Twin es el genio de la música electrónica contemporánea. El mejor programador, inventivo y con una genialidad admirable. Este es el mejor album de su carrera y fue uno de los primeros discos que yo escuché de él y que me introdujo al mundo de la música electrónica. Fue grabado digitalmente, en una computadora. Representa el pico de la carrera y el genio de Aphex Twin. Es uno de los mejores discos de música electrónica que se han producido, de los más hermosos, emotivos y geniales que he escuchado en toda mi vida.

4.  Autechre: Tri Repetae, 1995, Warp Records

Para este momento ya deben estar pensando que Warp Records,  un sello discográfico británico de música electrónica e independiente debe ser el mejor sello de música electrónica. No se equivocan, lo es. Autechre es un duo formado por Sean Booth y Rob Brown proveniente de Manchester, Inglaterra que es otro pilar de la música electrónica contemporánea y experimental.

Tri Repetae es producto de la experimentación y el trabajo arduo de Booth y Brown que lograron con este disco adelantarse unos años a su época. Ellos son los representantes del estilo que Warp desarrolló que fue solamente un intento por desarrollar y hacer avanzar el arte y la técnica de la música electrónica llamado IDM (Intelligent Dance Music) o simplemente electrónica. El primer track de este magnífico álbum es una obra maestra de la secuenciación y del lenguaje midi de instrumentos análogos y digitales siempre manejados por las mentes de Booth y Brown, figuras ya legendarias en el circuito de la música electrónica mundial.

5. U-Ziq: Royal Astronomy, 1999, Hut Recordings

Mike Paradinas más conocido como U-Ziq (music) es un productor inglés de música electrónica de la misma generación que Aphex Twin y Autechre. Amigo de Aphex, produjo un álbum junto a él en 1996 llamado Expert Knob Twiddlers bajo el nombre de Mike & Rich. Paradinas tiene un oído para la música admirable, melódico y brillante. Royal Astronomy es su disco más bello en el cual logró colocar influencias clásicas (un amigo cuando lo escuchó me dijo que parecía Mozart en Extasis), buena metáfora. En este gran disco que es en dónde más bellamente se pueden oír las melodías producidas por sus sintetizadores trabajando en interacción con los samplers y efectos logró llegar a la cúspide de su experimentación con muchos estilos fusionándolos y jugando con ellos logrando un sonido hermoso gracias a su genial programación. Realmente una joya.

6. William Basinski: The River, 2002, Raster Noton

Aparte de la electrónica, el ambient es el otro estilo de música electrónica que yo más amo. El ambient o música ambiental sirve para calmar los sentidos, la mente y el alma para crear la atmósfera adecuada en la cual uno pueda pensar y meditar y dónde uno pueda dejarse llevar por el largo viaje al que esta maravillosa música induce. Un viaje feliz, tranquilo, dónde uno puede perderse y esconderse del mundo por momentos pero dónde uno encontrará nada más que belleza. The River es la obra maestra de William Basinski, un músico experimental, que a principios de los ochentas creó sus primeras piezas ambientales, como The River; compuesta en 1983 y que luego más adelante fueron re descubiertas y lanzadas comercialmente por sellos cómo Raster Noton que se dieron cuenta de la importancia vital de Basinski cómo una figura importantísima dentro del mundo del ambient. El disco consta de dos piezas de casi 50 minutos de duración cada una. Este disco es un viaje hipnótico que lo lleva a uno por caminos dónde las ondas radiales se mezclan con sonidos sacados de la radio en el cual uno es parte de una de las más maravillosas piezas que se han compuesto.

7. Boards of Canada: Music Has The Right To Children, 1998, Warp Records, Skam Records

El dúo conformado por los hermanos Michael Sandison y Marcus Eoin, Boards of Canada, está envuelto en un secretismo muy particular y unos misterios que nunca han sido del todo revelados.  El nombre del dúo está inspirado en The National Film Boards Of Canada, la empresa cinematográfica canadiense, que produjo documentales y videos educativos, los cuales ambos hermanos disfrutaron de niños cuando vivieron en Canadá. Este maravilloso y hermoso disco fue el debut en el sello Warp y es la esencia del dúo en su estado más puro. La música es una mezcla de beats de hip hop experimentales, samples de videos educativos de los setentas y melodías infantiles que lo transportan a uno a esos momentos y recuerdos de la infancia de cada persona de las cuales uno nunca quiere olvidarse. Es uno de los pilares del llamado IDM, o electrónica, que fue originalmente resultado de la experimentación de artistas del sello Warp cómo Aphex Twin, Autechre y Squarepusher que fusionaron técnicas de la música de baile, cómo timestretchs, ediciones técnicas de sampleo y de secuenciación con influencias de otros tipos de técnicas de la llamada música de vanguardia electrónica y dieron como resultado esta música melódica, experimental, bella, desafiante y muy técnica. Este debut es reconocido dentro de los 25 discos psicodélicos más importantes que se han producido.

8. Squarepusher: Go Plastic, 2001, Warp Records

Si hay algún artista y algún disco que hayan empujado el arte de la música electrónica hacia sus límites ha sido Tom Jenkinson o Squarepusher y el disco ha sido Go Plastic. Este disco representa el pico y la cúspide de la creatividad, experimentación y destreza de Tom Jenkinson cómo músico y productor. La música de este increíble disco es denominada drill and bass, mentalism,  y una fusión de breaks, garaje y dub. Uno al terminar de escuchar este disco puede terminar mareado o exaltado por todas las innovaciones tecnológicas que ha escuchado. Uno de los aportes más grandes e importantes que la música electrónica ha aportado al arte de la música es hacer que las cosas irrealizables para los seres humanos, supuestamente, puedan realizarse, gracias a la tecnología y Go Plastic es prueba de ello. Un disco sorprendente en dónde el sonido de la información se mezcla con el break más sampleado de la historia, el amen break, el cual Squarepusher usa, re usa, construye, de construye y manipula a su antojo creando una obra sin paralelos en los cánones de la música electrónica y su obra maestra para mí.

9. Brian Eno with Daniel Lanois and Roger Eno: Apollo Atmospheres & Soundtracks, 1983, Polydor

Brian Eno es el artista, productor y músico inglés que acuñó el término ambient. El padre de este género junto a contemporáneos que un poco después que el empezaron a componer piezas ambientales, cómo William Basinksi, entre otros. Sin duda 1983 fue un gran año para la música electrónica, Zoviet France produjo el “Mohnomishe”, William Basinski “The River” y Brian Eno con ayuda de Daniel Lanois y Roger Eno compuso este hermoso disco. Apollo Atmospheres & Soundtracks es el acompañamiento musical que estos tres productores produjeron para acompañar la llegada a la luna después de que la NASA le entregó todo el material visual a Eno para que el produjera el soundtrack o la banda sonora de este alucinante viaje y si que logró hacerlo alucinante cómo el mismo viaje. En este disco hay joyas ambientales y musicales que muchos músicos y productores creen que son de las más bellas que probablemente se han producido. Este hermoso y emotivo álbum representa la cúspide de la carrera de Brian Eno y es prueba de que la electrónica no es fría e inhumana, al contrario, a veces resulta más cálida y humana que otros tipos de música. Una obra maestra sin duda.

10. Kyle Bobby Dunn: Kyle Bobby Dunn & The Infinite Sadness, 2014, Students Of Decay

Si hay algún músico y productor que llevará la antorcha que Brian Eno dejará será Kyle Bobby Dunn. Este productor de ambient canadiense crea música muy meditativa, profunda e hipnótica de una belleza y fragilidad sublimes. Este disco lanzado el año pasado representa el pico de la carrera de Bobby Dunn en su estado más puro. Es música que te toca el corazón, el alma y los sentidos cómo cada buena obra del ambient. Con esta obra maestra cierro mi lista de los 10 mejores discos de música electrónica que se han producido, que tengo y que existen para mí, hasta ahora. 

Krzysztof Kieslowski

Después de Ingmar Bergman, para mí, Krzysztof Kieslowski ha sido el más grande director que este mundo ha visto. Bergman y Kieslowski han sido los que más han hablado sobre la condición humana y mejor han sabido retratarla. Sus filmes son representaciones de la vida moderna que relatan historias de personajes falibles que no saben la diferencia entre el bien y el mal y que buscaban desesperadamente. Sus películas son de una estética bella, hermosa y frágil y tenía una sensibilidad única que no he encontrado en ningún otro director.Si la frase “todos somos únicos” se aplicara al cine yo creo que se estarían refiriendo a él, a Bergman y probablemente también a Andrei Tarkovsky. Pero este artículo trata sobre Kieslowski así que voy a hablar sobre él. Yo estudié la carrera de dirección de cine y mi tesis fue sobre el uso y la importancia de la música en las películas de Kieslowski. Fue un director sumamente musical y lo entiendo, entiendo sus luchas, sus frustraciones, sus logros y su sensibilidad, pero más que nada su corazón que fue enorme, es por eso que lo amo y me gusta tanto, igual que a Bergman.

Kieslowski nació en el seno de una familia modesta en Varsovia, Polonia. Vivió durante su infancia y adolescencia en diferentes pueblos ya que su padre, que sufría de tuberculosis, necesitaba ser tratado en diferentes lugares. En 1957, a los 16 años, entró en la Escuela para Técnicos de Teatro en Varsovia solamente porque un pariente la dirigía. Durante esa experiencia decidió ser director de teatro pero, en esa época, necesitabas tener un título para ingresar en la Escuela, así que decidió convertirse en director de cine. Trabajando como técnico de teatro decidió presentarse a la famosa Escuela de Cine de Lodz, que tuvo como alumnos a los también directores de cine Roman Polanski y Andrzej Wajda. Lo rechazaron dos veces y cabe mencionar que durante este tiempo para evitar el servicio militar obligatorio se convirtió, brevemente, en un estudiante de arte y también estuvo bajo una dieta rigurosa para volverse no apto para el servicio. Después de varios meses se presentó, por tercera vez, a la Escuela y, esta vez, si consiguió ingresar. Estuvo en la Escuela durante cuatro años (1964-1968), mientras que en esa época el gobierno permitía un alto nivel de libertad artística y fue durante estas circunstancias que Kieslowski estuvo interesado en hacer documentales.  Durante su último año se casó con su entonces enamorada, Maria (Marysia) Cautillo, el 2 de enero de 1967 y estuvo casado con ella hasta el día de su muerte. Juntos tuvieron una hija llamada Marta ( 8 de enero de 1972).

Sus primeros documentales estuvieron centrados en gente común como trabajadores, obreros o soldados. A pesar de nunca haberse considerado un cineasta político se dio cuenta que retratar la vida polaca le traería conflictos con las autoridades. Su documental para la televisión Obreros 71 o Workers 71 en inglés que mostraba a obreros discutiendo las razones de las huelgas generales de 1970 sólo se mostró bajo censura. Después de realizar este documental filmó un filme  llamado Curriculum Vitae, que mezclaba el material documentalista de las protestas de Politburo con una historia ficticia sobre un hombre sometido al escrutinio de los oficiales. Aunque Kieslowski creía que el mensaje del film era anti-autoritario muchos colegas suyos lo criticaron diciendo que había trabajado de la mano con las autoridades en la producción del  mismo. Kieslowski después dijo públicamente que había abandonado el documental a partir de dos experiencias: la primera fue la censura de Obreros 71 que le hizo pensar si realmente se podía decir literalmente la verdad en un régimen autoritario y la segunda fue una experiencia vivida durante la filmación de Estación o Station un documental filmado en 1981 en el cual bastante del material filmado se usó como evidencia en un caso criminal. Fue a partir de estas experiencias que decidió que la ficción, no solamente, permitía más libertad artística sino que también podía retratar la vida más fielmente. Sus primeras películas de ficción fueron Personel (Personal) de 1975, que fue hecha para la televisión y con la cual ganó el primer premio en el Festival de Mannheim y The Scar (La Cicatriz) o (Blizna en polaco) de 1976, ambos fueron trabajos ligados estrictamente al realismo social. Personel trataba sobre técnicos trabajando en una producción teatral, basada en las primeras experiencias del director en la Escuela de Técnicos Teatrales y The Scar mostraba la disconformidad y los cambios de un pequeño pueblo polaco a causa de un proyecto industrial. Estos dos filmes fueron filmados con un estilo documentalista y con un reparto de no actores. Estas películas retrataban la vida cotidiana en Polonia bajo un sistema opresivo como el que se vivió en Polonia durante esa época. Luego realizó Camera Buff (Amator en polaco) de 1979, que ganó el gran premio del Festival Internacional de Moscú y Blind Chance o (Przypadek en polaco) de 1981. Ambas películas continuaron por una línea similar a las dos anteriores pero esta vez centrándose en decisiones éticas y morales tomadas por personajes en vez de comunidades. Durante este tiempo se le incluyó dentro de los directores del cine de la Ansiedad Moral, término que describía el cine de directores polacos tales como Janusz Kijowski, Andrzej Wajda y Agnieszka Holland, su relación con estos directores, en especial Holland le causaron muchos inconvenientes por parte del gobierno y todos sus primeros filmes fueron censurados y tuvo que filmar y editar nuevamente muchas secuencias de ellos bajo la mirada del gobierno. Un ejemplo de esto fue que Blind Chance no fue estrenada en Polonia sino hasta 1987, casi seis años después de que se filmó.

No End (Bez konca en polaco) de 1985 fue su película más política porque trataba sobre los juicios políticos polacos de esa época, desde el punto de vista, inusual, del fantasma de un abogado y su viuda. Fue criticada duramente por el gobierno. Desde esta película su nombre se vería asociado, para bien, con dos nombres, el del guionista Krzysztof Piesiewicz y el del compositor Zbigniew Preisner. Piesewicz era un abogado que Kieslowski conoció mientras investigaba juicios políticos para un planeado documental sobre el tema que nunca llegó a producirse. Piesiewicz escribió todos los guiones de todas las siguientes películas de Kieslowski y Preisner escribió toda la música para sus películas, empezando con No End. Luego llegaría El Decálogo (The Decalogue) de 1988, considerada una obra maestra y es para mí la más importante obra cinematográfica que se haya filmado por lo que representa y por su importancia moral y ética. El Decálogo es una serie de diez películas de aproximadamente una hora de duración, cada una hecha para la televisión polaca. Fueron filmadas en una residencial en Varsovia y cada capítulo está basado en uno de los Diez Mandamientos. Kieslowski adaptó dos capítulos para la pantalla grande, expandiéndolas a casi una hora y media cada una, estas fueron A Short Film About Killing o No Matarás (1988) y A Short Film About Love o No Amarás (1988). El Decálogo no son de ninguna manera simples ilustraciones de los mandamientos sino más bien complejas investigaciones de cómo estos diez principios, que representan uno de los pilares morales y éticos de la filosofía occidental, pueden cuestionar, guiar y ser relevantes para las personas en las sociedades modernas.  En un cierto sentido, las películas, cada una de ellas entrelazando en una o más crisis morales de carácter existencial, giran en torno a los mandamientos, a veces siguiendo el significado tradicional y otras veces, alejándose aparentemente de ese significado, cuestionando o desarrollando nuevas y originales direcciones.

Sus cuatro últimas películas fueron coproducciones extranjeras. Estuvieron centradas en temas morales y metafísicos. Estas cuatro películas fueron sus mayores éxitos comerciales e internacionales. La primera fue La Doble Vida de Verónica de 1990 con la actriz francesa Irene Jacob cómo protagonista. Luego siguió La Trilogía: Azul, Blanco y Rojo en 1993 y 1994, que explora las virtudes que simboliza la bandera francesa. Esta trilogía le otorgó a Kieslowski muchos reconocimientos y premios internacionales, incluyendo el León Dorado como mejor película en el Festival de Cine de Venecia, el Oso plateado como mejor director en el Festival de Cine de Berlín y recibió tres nominaciones a los premios Oscar.

Krzystof Kieslowski es considerado uno de los grandes directores cinematográficos que ha tenido Europa. Anunció públicamente su retiro del mundo cinematográfico después de la premiere de su último filme, Rojo, en el Festival de Cannes en 1994. Después de dos años de haber hecho este anuncio Kieslowski murió el 13 de Marzo de 1996  a los 54 años de edad durante una cirugía de corazón abierto después de haber sufrido un ataque al corazón. Está enterrado en el cementerio Powazki en Varsovia.

En una entrevista dada en la Universidad de Oxford en Inglaterra esto es lo que dijo acerca de por qué hacía cine:

“Viene de una profunda convicción de que si hay algo que realmente vale en el nombre de la cultura, este es el de tocar temas y situaciones que unen a la gente y no aquellas que las divide. Hay muchas cosas en el mundo que nos dividen como la religión, la política, la historia y el nacionalismo. Si la cultura es capaz de algo, entonces esta es la de encontrar algo que nos una y hay muchas cosas que unen a la gente, no importa quién eres o quién soy yo. Si a ti te duele la muela, o si a mí me duele la muela, no importa, es el mismo dolor. Los sentimientos es lo que une a la gente porque la palabra amor tiene el mismo significado para todos. O miedo, o sufrimiento. Todos le tememos a lo mismo y de la misma manera y todos amamos de la misma manera. Es por eso que hablo de estas cosas porque en todas las otras cosas encuentro una división”.

 Krzysztof Kieslowski hacía películas íntimas sobre seres humanos falibles para espectadores que piensan. Ya desde sus primeros cortos como estudiante y sus primeras realizaciones se pudo ver con anticipación a este creador y narrador de filmes que capturaba mágicamente el azar y la transcendencia en la vida humana. Kieslowski pudo retratar como muy pocos la vida interna de los seres humanos con una sensibilidad y fragilidad única. Muy pocos cineastas han podido luchar tan consistentemente para lograr hacer que la gente entienda, o en muchos casos, que simplemente estén conscientes, de las verdades profundas del mundo que los rodea o del mundo interno de las personas para explorar la misteriosa interacción del azar y las decisiones en las relaciones humanas. En el Decálogo, por ejemplo, ambos autores del filme, Kieslowski y el coguionista Krzysztof Piesiewicz, lograron colocar abstractos absolutos dentro de situaciones realistas, concretas e impredecibles. Con El Decálogo lograron transcribir lo metafísico dentro de lo tangible. Las metáforas bien desarrolladas y los símbolos penetran profundamente el alma humana. Krzysztof Kieslowski fue criado como católico romano y mantuvo, de joven, lo que él llamaba una relación personal y privada con Dios. En una entrevista dijo que él no era creyente y que por cuarenta años no había entrado a una iglesia y también, en otra entrevista, declaró: “no creo en Dios pero tengo una buena relación con El”.

Sus filmes nos desafían a pensar más profundamente acerca de la vida y la ética. Según el mismo Kieslowski sus películas son acerca de gente que no sabe cómo comportarse, que no saben cómo vivir, que realmente no saben la diferencia entre lo bueno y lo malo y que buscan desesperadamente. Sus filmes fueron hechos con mucho cuidado, detenimiento y sensibilidad. En Tres Colores la trilogía que estuvieron basadas en la bandera francesa y sus valores simbólicos; Azul: libertad, Blanco: igualdad y Rojo: fraternidad; no solo explora esos temas sino que esos colores (gracias a la iluminación, a la dirección de fotografía y a diversos filtros de la cámara) llenan visualmente cada una de las películas. Uno puede ver cada película separadamente pero si uno las ve en orden hay conecciones sorprendentes y pequeños detalles que se dejan revelar. Cada una cuenta una historia distinta con diferentes personajes pero cada una contiene escenas sacadas de las otras y en Rojo todos los protagonistas se encuentran, brevemente, juntos, no estando, los personajes, conscientes de que están juntos. También se puede apreciar, en un momento, la imagen de unos cables eléctricos que pasan entre casas y apartamentos y quizás Kieslowski, con esta imagen, nos esté haciendo recordar, desde un punto de vista individualista del mundo que las relaciones y el hecho de vivir en comunidad no solamente es esencial en la vida, sino inevitable. Cabe añadir, también, que sus películas son enigmáticas y pueden resultar, ocasionalmente, irritablemente oscuras, depende de los gustos. Hay muchos cabos sueltos, a veces demasiados, pero quizás nos estaba haciendo recordar que inclusive la vida ordinaria es más misteriosa de lo que imaginamos. Una vida llena de detalles que nos hacen pensar. Estos filmes cuentan historias no para entretener sino para desafiarnos que pensemos de nuevo y para que veamos en nuevas direcciones.  

La reconstrucción de la música y el sonido cómo nueva forma de arte y forma de comunicación y expresión

El siglo XX fue un siglo complejo, diverso pero esencialmente rico en materia de invenciones tecnológicas, adelantos científicos y nuevas disciplinas artísticas y formas de expresión y comunicación. El conocido compositor experimental de música clásica moderna y música electrónica Karlheinz Stockhausen dijo lo siguiente: "Cualquier sonido, si está asociado con otro sonido puede ser música". Esa teoría que el mismo compositor puso en práctica durante su carrera fue estipulada también por Pierre Schaeffer y Pierre Henry, dos compositores franceses y los padres de la música concreta y electroacústica que fue creada en la RTF, el estudio de la Radio y Televisión Francesa fundado por Pierre Schaeffer, en Paris en 1950 con la primera pieza de música concreta que se llamó "Symphonie pour un homme seul" creada por ambos en este estudio y es considerada la primera pieza de música concreta que se produjo. La música concreta fue el paso más importante que se dió en esta etapa del siglo XX en términos musicales. La música concreta o acusmática es un género en el cual los fundamentos teóricos y estéticos fueron originados por Pierre Schaeffer en el estudio de la radiodifusión francesa o RTF en 1948. Esta música está ligada a la aparición de nuevos dispositivos que permitieron la descontextualización de un sonido fijándolo en un soporte (en un principio analógico, cómo la cinta, posteriormente digital, cómo el CD) con el fin de tratar el sonido de manera separada y manipularlo; cortándolo, pegándolo, superponiéndolo y finalmente combinando los sonidos resultantes de estas operaciones de alteración en una estructura compleja y definitiva cómo una partitura auditiva. Esta revolución hizo cambiar significativamente toda la estructura convencional de la música, ya que la forma musical dada al sonido de una puerta abriéndose, por ejemplo, pasó a tener la misma importancia que la de una melodía tocada al violín. Sin duda fue una revolución que afectó al mundo de la música en general y al mundo en sí porque fue un paso importantísimo para la experimentación de nuevos géneros artísticos que han afectado a las sociedades de Europa y EE.UU. y algunos otros países que han podido disfrutar de estas nuevas técnicas musicales y artísticas. También fue la base para el nacimiento de la música electrónica, la que yo llamo la primera música electrónica y la electrónica esencial y experimental que nació gracias a Pierre Schaeffer, Pierre Henry y Karlheinz Stockhausen. Estos compositores, junto con John Cage y otros compositores de la época fueron los pilares para que se desarrollase una nueva forma de arte en esa época, antes de la aparición del sampler y la nueva tecnología digital que apareció a finales de los setenta e inicios de los ochenta, cuando todo era analógico, a la que llamo la nueva reconstrucción y manipulación de la música y el sonido cómo nueva forma de arte, de expresión y comunicación que dio paso al nacimiento del sampleo cómo nueva forma de arte y que fue esencial para el nacimiento del Dub en Jamaica y el Hip Hop en EE.UU. posteriormente. 

El Dub es un género o técnica que nació en los estudios musicales jamaiquinos creada por los ingenieros de sonido que nació como una forma de reconstruir al gusto del ingeniero música ya grabada o pre grabada con la finalidad de crear nuevas versiones de un mismo tema. En los vinilos de 45 rpm o los famosos singles que se producían en la industria musical jamaiquina el lado b se llamada dub y frecuentemente eran dubs o versiones distintas a las originales. Así empezó este nuevo género o técnica de producción, manipulación y grabación de música ya existente con productores e ingenieros de sonido cómo King Tubby y Lee Scratch Perry en la década del setenta. Así cómo lo hizo la música concreta a principios de la década del 50 en Francia. Luego vendría el nacimiento del Hip Hop en EE.UU. a finales de la década del 70 e inicios de los 80s en Nueva York, más específicamente en el Bronx cuando Dj Kool Herc se mudó de Jamaica a este barrio Neoyorkino presentando el arte del toasting o rimar o hablar junto con el ritmo de un break (pasaje musical de una canción, mayormente sólo percusión que da paso a otra sección diferente en la misma canción) cómo una nueva cultura artística y callejera con varias disciplinas artísticas cómo el Rap o el arte de rimar bajo el ritmo de música cómo un break y luego vendrían los beats, hechos específicamente con este propósito, la de darle al MC (Maestro de Ceremonias) la posibilidad de rimar junto a música tocada por DJs (Disc Jockeys). Las disciplinas del Hip Hop son variadas, por un lado está el sonido o la música representada por los djs y los mcs, el graffiti (visual) y el breakdancing representado por los breakers o bailarines de esta disciplina. Todas estas disciplinas forman lo que se conoce cómo la cultura del Hip Hop. El dub y el hip hop son producto de la experimentación, reconstrucción y manipulación de música ya grabada con fines artísticos cómo las de expresar y comunicar las vidas de los artistas que reconstruyen música pregrabada gracias a los samplers (equipo electrónico de muestreo que sirve para manipular sonidos cómo una vez lo hicieron Pierre Schaeffer y Pierre Henry en cintas analógicas sólo que los samplers son digitales) que permiten que música o sonidos grabados de discos de música ya existentes o grabados en un estudio para este fin pueda crearse. Hoy en día se considera al sampleo como una forma de arte y en realidad lo es, así cómo también es considerado un arte el mezclar música cómo lo hacen los Djs y el arte de rimar o rapear también es considerado un arte hoy en día, inclusive más que nunca.

Todo esto forma parte del desarrollo de las teorías y prácticas musicales y tecnológicas que desarrollaron Pierre Schaeffer, Pierre Henry y Karlheinz Stockhausen  en su momento que fueron un paso más que dio el arte de la música en el siglo XX para desarrollarse más y expresar y comunicar el complejo terreno en el cual se desarrollaron estas revoluciones que han afectado consciente o inconscientemente el desarrollo de las sociedades de todo el mundo y las psiquis o mentes de las personas representando el complejo y vasto espectro sonoro de este siglo importantísimo para el desarrollo de nuevas formas de arte, expresión y comunicación.  

Las industrias del entretenimiento o la explotación del arte como negocio

¿Qué es el arte? El arte es expresar emociones, sensaciones, pensamientos y puntos de vistas particulares del mundo a través de variadas disciplinas artísticas con un fin creativo o estético. La noción del término arte ha sido parte de diversas disputas y discusiones por parte de la humanidad a lo largo de la historia de la civilización porque su definición está abierta a diferentes interpretaciones que varían según la cultura, la época o la sociedad. El vocablo arte tiene varias acepciones, pudiendo ser estas cualquier actividad hecha con esmero y dedicación o cualquier conjunto de reglas necesarias para desarrollar de forma óptima una actividad. En este sentido en particular el arte es sinónimo de capacidad, habilidad, talento o experiencia.  Sin embargo se suele considerar arte cómo una actividad creadora del ser humano o cómo cualquier actividad que requiera de creatividad.

A principios de la civilización humana el arte era usado con fines religiosos, mágicos o ritualistas (lo que se conoce cómo arte paleolítico) pero esta función cambió con la (supuesta) evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.

¿Qué es el entretenimiento? Entretenimiento es el conjunto de actividades que permite a los seres humanos emplear su tiempo libre para divertirse, evadiendo temporalmente sus preocupaciones. El entretenimiento forma parte de la familia del ocio que se ha convertido en un sector floreciente de la actividad económica, especialmente a través de los medios de comunicación y las industrias del cine o la música. El término entretenimiento empezó a usarse en Europa en el siglo XV en relación con la acción financiera de desviar en beneficio propio bienes ajenos. Luego, tal acepción, dio paso a la de “desviar la atención” en general asociándose luego a la idea de placer y ocio. En 1662 el filósofo francés Blaise Pascal elaboró un consistente estudio sobre el entretenimiento que fue publicado en 1670 en sus “Pensamientos”, desarrollando la idea contradictoria de que es necesario que el hombre se distraiga y, por lo tanto, se aparte de lo esencial.

Para el que escribe, el arte siempre es o debería ser personal o si es hecho en conjunción con otras personas estas personas deben concretar una idea o pensamiento creativo y trabajar en cooperación pero con fines artísticos. Ya sean estéticos o creativos. Si consideramos todo lo escrito anteriormente; que el arte es expresar emociones, sensaciones, pensamientos o puntos de vista particulares del mundo a través de determinadas disciplinas artísticas cómo la música o el cine (desde inicios del siglo XX) y que el arte empezó no siendo considerado entretenimiento, o sea un escape o una desviación de lo esencial con fines de la búsqueda de diversión o placer; sino que fue concebido y usado en los inicios de la humanidad con fines religiosos, mágicos o ritualistas se puede pensar que no hay ninguna relación intrínseca o directa entre el término arte (descrito anteriormente) y el término entretenimiento. La pregunta que me hago es la siguiente: ¿Hay algo aparte del arte que desvíe la atención de las personas y que evada temporalmente sus preocupaciones o solamente ha sido todo un malentendido y se empezó a denominar al arte entretenimiento sólo para generar ganancias? Por supuesto que existen otras cosas o disciplinas que distraen y desvían la atención de la gente de lo esencial y el arte fue denominado arte y luego entretenimiento con el fin de desviar en beneficio propios bienes ajenos, cómo ha pasado con todo arte a través de la historia de la civilización humana. Todo arte ha sido sacado de su esencia, de lo esencial, ha sido corrompido, ha sido violado, tergiversado y vendido para que este ya no sea denominado arte sino entretenimiento. La relación directa e intrínseca entre ambos términos es estrictamente comercial o mercantil. Cosa que no tiene nada de malo, si eres un empresario trabajando en la industria del entretenimiento pero si te consideras un artista y crees que tus sentimientos, sensaciones, pensamientos y puntos de vista acerca del mundo no están a la venta y no merecen ser vendidos o, mejor dicho, explotados por intereses financieros o económicos que sólo tratan de generar ganancias pero que no consideran al arte del artista cómo algo suyo y su arte es sujeto a fabricaciones artificiales propias de la supuesta evolución del ser humano cómo las que el capitalismo ha generado y las que las industrias imperantes del entretenimiento dictan para que el público las acate o mejor dicho se “diviertan” con ellas pues, si, todo, me parece a mí que ha sido un gran malentendido. Cuando los mercaderes, comerciantes y ahora empresarios vieron que se podía lucrar con el arte y que este estaba a la venta pues ahí empezaron a nacer las discusiones de si el arte es entretenimiento o si el entretenimiento es arte.

Yo, cómo mente independiente y cómo artista independiente no me dejo seducir por la diversión vana y efímera que crea el entretenimiento para evadir nuestras preocupaciones y así someternos (ahora hay ejemplos abundantes) a los más vulgares y anti evolutivos espectáculos con el sólo fin de lucrar y el aparente y supuestamente benevolente fin que crea esta “diversión” que es la de olvidar y la de alejarnos de lo esencial. Yo amo el arte y no lo amo porque me haga olvidar o me aleje de mis preocupaciones, al contrario, lo amo porque justamente me hace recordar, hace que me preocupe y que piense y el fin de todo arte debería ser el de transformar el espíritu humano y eso sólo se logra si el arte te hace recordar, pensar, sentir emociones y sensaciones y si hace que te preocupes por los temas que importan, o sea por lo esencial (de dónde venimos, adónde vamos, porque estamos acá, para que estamos acá) creas en lo que creas y seas quien seas y pongo de ejemplo al buen arte por supuesto, teniendo en consideración que para cada persona es distinto porque los gustos son subjetivos. 

Termíno este artículo con una cita del gran director y precursor del cine independiente norteamericano John Cassavetes que dijo lo siguiente: “Todo está a la venta. Las emociones, el sexo. Todo es sexo, carros, mujeres, ropa, tu cara, tus manos, tus zapatos. Mira los anuncios publicitarios en la televisión. Mis emociones no están a la venta. Mis pensamientos no pueden ser comprados. Son míos. No me gustan y no quiero a las películas que me venden algo. No quiero que me digan que sentir”.    

El anonimato musical cómo ética

Siempre he pensado que los mejores músicos son los que no se consideran y no tienen miedo a experimentar y a hacer cosas desafiantemente nuevas. No promover el ego es una praxis que yo cultivo y practico tanto en mi vida personal como cómo futuro productor de música electrónica experimental; pronto estaré produciendo mi propia música electrónica en mi estudio casero, sueño que he tenido desde los 17 años y que se ha realizado finalmente. :zoviet*france: es un gran ejemplo de esta idosincrasia que proviene de la cultura de la música electrónica en dónde casi nunca vas a ver la cara de los artistas en las caratulas de sus discos y eso se hace para dejar que la música haga el trabajo de hablar por uno mismo. Eso es todo. No promover los egos ni las conductas narcisistas que muchos músicos practican. El anonimato es muchas veces mejor que la fama y yo creo en eso totalmente. Uno no hace música para ser famoso, uno la hace porque le gusta y porque disfruta haciéndola. Yo me quedaré en el anonimato musical de preferencia y si se venden mis discos exitosamente pues muy bien, con agradecimientos incluidos obviamente porque uno tiene que ganarse la vida de algo, pero esa no es la meta principal por la cual yo quiero y voy a hacer música. La voy a hacer porque la amo y disfruto haciéndola. El problema de producir o hacer música es comercializarla porque ahí es cuando empiezan los problemas, porque tu música ya es de dominio público, es de cualquiera que la escuche y ya el artista tiene otras responsabilidades para promover su imagen y su carrera musical. Pero hay alternativas y estas se encuentran en los circuitos alternativos independientes o subterráneos musicales que practican esta praxis de la que estoy hablando. Lo importante es la música no el artista y el sonido no la imagen. La globalización y la cultura de internet lo que han provocado es que han destruido las escenas y que nuevas escenas puedan emerger independientemente, cómo se veía antes. Ahora todos conocen lo mismo, tienen las mismas referencias, ven y escuchan lo mismo. Yo trato de no ser parte de esta cultura en todo lo posible. Porque neutraliza la creatividad y el nacimiento de nuevas ideas o puntos de vista. Cómo le dije a un querido amigo mío, yo no he hecho música antes porque no estaba preparado y quería educar y cultivar mis oídios mucho más y descubrir nueva música que no había escuchado antes y que cambie mi perspectiva en la cual yo veo, siento y escucho la música y eso ha pasado estos últimos años gracias a Dios. He descubierto nueva música que no conocía antes y ahora escucho la música de otra manera. Si puedo ponerlo en una metáfora, antes estaba en el Colegio, ahora ya me gradué de la Universidad y voy a empezar a trabajar.

La música y el cine, artes que se complementan

Si la música, desde mi punto de vista ha sido el gran arte de la historia de la humanidad, el cine ha sido el gran arte del siglo 20. La música es un arte lineal; de espacio y tiempo, el cine también. Hoy en día la edición de las películas se hace en computadoras y es una edición lineal de diferentes espacios filmados en determinados tiempos. La música se escribe en un pentagrama, que es lineal; diferentes notas o acordes que duran un determinado tiempo en determinados espacios y la grabación, producción y edición de esta también, hoy en día, se hace en computadoras, tal cómo se edita una película. Considerando esta relación directa e intrínseca de estos dos tipos de arte se llega a la conclusión de que la música complementa al cine y viceversa y también las dos van de la mano. En estas épocas ver una película que no contenga música o por lo menos una banda sonora sería impensable. El cine encontró a su pareja perfecta, la música; arte que por naturaleza tiene más relación y similitudes con el cine que cualquier otro arte. El cine es el compendio de todas las artes; música, pintura, danza, literatura, fotografía, etc. La fotografía es el otro arte que complementa al cine pero por el lado visual. La música le provee a la imagen una cadencia, una armonía para que las dos vayan de la mano. La imagen y la música son polisémicas, es decir, tienen diferentes o infinitos significados, por lo tanto las dos reciben del espectador u oyente diferentes interpretaciones, dependiendo de la persona que esté viendo una película o escuchando música. La música es un elemento que subjetiviza y psicologiza la imagen, por eso es tan importante para tantos directores que le prestan mucha atención a la música o al sonido en sus películas. La música en una película no está concebida para que se oiga conscientemente, está pensada para que sea un acompañamiento (de acciones, de diálogos) cuya presencia no se debe advertir. La música no solamente tiene la capacidad de aislar a cada espectador en su relación con el filme, en su sueño particular, por así decirlo, sino que además, inversamente, tiende a cristalizar colectivamente las reacciones del público, captando su atención sobre un detalle, sobre un personaje.

Si hay algo que la música traduzca fina y ricamente, sin que ningún otro elemento del cine pueda reemplazarla en esta función, es el flujo cambiante de las emociones sentidas por un personaje. Los sonidos de una película, en este caso el de la música, tienen una presencia incrementada por el hecho de que por sí mismos son bisensoriales, es decir, que afectan a dos sentidos a la vez; la música afecta al oído y al cuerpo. Las cosas bisensoriales poseen una eficacia y un impacto inmediato más acusado.
En el cine sonoro, basado en un modelo realista (escenas dialogadas en prosa, sin rimas, ni palabras repetidas, como en la vida) la música tiene la inmensa ventaja de ser un elemento libre cuya presencia y momentos de intervención no se sujetan a las reglas de la verosimilitud, ni están obligados a ser justificados por un elemento concreto del guión. Si ello ocurre, el problema se resuelve de manera bastante fácil (presencia de una radio o de una música de fonógrafo). Así la música permite que el naturalismo del cine sonoro no sea asfixiante y, por su propio lirismo, permite reflejar la duración. La música es, a veces, en el universo concreto del filme, lo que se escapa de las leyes de lo real, lo que parece existir en el sonido de manera independiente de lo que vemos. Y, en la medida, en que esta dimensión existe independientemente de lo real, puede constituir la representación de un orden simbólico, creador, organizador, susceptible de actuar sobre el resto del filme, de organizarlo, de conducirlo.

La música es el elemento más plástico del arte cinematográfico.